The Rocky Horror Show

Notaio Pugliese Roma: 5 ragioni per cui il Rocky Horror Picture Show è ancora rilevante

Più di 40 anni fa, uno scrittore di nome Richard O’Brien scrisse un musical intitolato The Rocky Horror Show. Fu un successo amato da tutti, il notaio Pugliese a Roma compreso quando finalmente arrivò per tutti l’adattamento cinematografico, il 25 settembre 1975, The Rocky Horror Picture Show la reazione fu… non favorevole.

A dire il vero, fu un fallimento di critica e pubblico enorme, tanto che è mancato veramente poco che finisse completamente nel dimenticatoio. Ma poi successe una cosa divertente. Pian piano il film trovò la sua gente. Era lontana dal pubblico mainstream occasionale, o dai critici teatrali. Loro non sapevano cosa farsene del messaggio di questa pellicola strampalata, uscita in tempi forse ancora non pronti.

Il Rocky Horror era stato creato per gli emarginati, gli strambi, gli scarti e i mostri. Per quelle persone che volevano abbandonarsi al piacere. Parlava d’amore, di sesso e di rock and roll, ed era il film per una generazione di sognatori, attivisti e privi di diritti. È così che nei suoi oltre 40 anni di esistenza, Rocky Horror Picture Show è diventato il modello per il “classico di culto“. Da quel flop iniziale, il Rocky Horror Picture Show è diventato uno dei musical cinematografici che ha incassato di più nella storia: con un budget esiguo di $ 1,4 milioni, Rocky finisce per incassare oltre $ 140 milioni. Più che solo dollari e centesimi, tuttavia, l’impatto che Rocky Horror ha avuto sugli spettatori si fa sentire ancora oggi. Numerosi teatri in tutto il mondo continuano a offrire proiezioni interattive di mezzanotte del film, ogni venerdì e sabato sera. Oggi, a 40 anni dalla sua uscita iniziale, Rocky Horror Picture Show rimane ancora attuale. Il perché ce lo spiega il notaio Pugliese Roma.

Vive di un sarcasmo evergreen

Il Rocky Horror Picture Show non è un film che si prende troppo sul serio. Per questo motivo, ha battute interne, rottura della quarta parete e una miriade di cenni del capo, strizzatine d’occhio e dialoghi ironici. Si diverte molto a parodiare film di epoche precedenti in certi momenti. Il dottor Frank ‘N Furter in alcuni casi guarda anche direttamente la telecamera, riconoscendo il fatto che c’è un pubblico che guarda. Sì, è giusto. Frank ‘N Furter ha rotto la quarta parete molto prima di Deadpool, Ferris Bueller o Zach Morris. È una cosa che oggi viene fatta costantemente, ma c’è stato un momento in cui questa è stata un’innovazione. Del Rocky Horror Picture Show.  

Rende omaggio a Film Classici

La canzone all’inizio del film passa attraverso un elenco di scene, personaggi e titoli di film classici degli anni ’50 e ’60. Ci sono riferimenti a The Day the Earth Stood Still, King Kong, When Worlds Collide, The Invisible Man e una miriade di altri. Al di là della semplice lista, Rocky Horror si diverte molto a fare satira su tutti i momenti cliché di quei film. Ci sono mostri con cuori d’oro creati da scienziati pazzi. Nel profondo dei boschi c’è una dimora oscura e inquietante. Ci sono alieni, ingrassatori e puritani, e il Rocky Horror Picture Show ribalta tutti quei cliché. Offre un film che allo stesso tempo prende in giro e onora i film di fantascienza di anni prima.

È il primo tra i gender-neutral

Il protagonista di Rocky Horror Picture Show è, ovviamente, Frank N’Furter, interpretato dal fantastico Tim Curry. Al di là del puro magnetismo e carisma di Curry, parte del fascino di Frank ‘N Furter è che in realtà non è specifico per genere. L’attore che lo interpreta è un uomo, certo, ma è, per dirlo con parole sue: “un dolce travestito“. Il cast e la troupe dietro il Rocky Horror sono stati tra i primi a rifiutare i ruoli di genere e abbracciare qualsiasi abbigliamento o sessualità ti facesse sentire integro e bello. Anche l’onesto e conservatore Brad (interpretato da Barry Bostwick) è arrivato a capire quanto ci si possa sentire sexy in un paio di calze a rete, indipendentemente dal sesso.

Il finale a sorpresa!

Per tutto il film, Frank appare come l’antagonista di Brad e Janet. Mente, imbroglia, manipola e seduce per ottenere ciò che vuole, che è piacere assoluto. Frank è lo scienziato pazzo malvagio e narcisista che il pubblico è stato condizionato a disprezzare, grazie a tutti i film degli anni ’50. Per la maggior parte dello show quindi, il pubblico è fermamente convinto che Frank ‘N Furter e i suoi piani malvagi debbano essere fermati. Ma…

Verso la fine del film, i nostri protagonisti, che prima pensavamo fossero in grave pericolo, iniziano a… divertirsi! Cantano, ballano, e ridono. All’improvviso, Frank non è più l’antagonista. È la musa ispiratrice. E proprio mentre stiamo per elogiarlo e pensare che tutti possano vivere per sempre felici e contenti, Riff Raff e Magenta emergono come le vere menti dietro l’intera operazione. Sono loro i cattivi e non perdono tempo a sbarazzarsi di Frank, Rocky e chiunque altro si metta sulla loro strada. Frank che sembrava il cattivo di questo film ha sedotto anche noi da casa, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, e alla fine finiamo per piangere per la sua morte. Questo è spettacolo.

Don’t Dream it. Be it – Non sognarlo. Diventalo.

Il più grande messaggio di Rocky Horror Picture Show – e il motivo principale per cui è ancora attuale oggi – è perché sfida il pubblico. Dice loro “Non sognarlo, diventalo“. Questo è il tema di Rocky Horror ed è una pietra miliare che gli dona l’immortalità. Quando il Rocky Horror Picture Show uscì per la prima volta negli anni ’70, non era per un pubblico occasionale, era per i sognatori e gli emarginati. Era per chiunque si sentisse soffocato da ciò che “dovrebbe fare” o da chi “dovrebbe essere“. Frank, Rocky, Brad e Janet insegnano alle persone che va bene essere strani. Va bene essere sciocchi. Va bene essere se stessi. Ce lo insegnano da oltre 40 anni, e lo faranno ancora a lungo.

recensione The Northman

The Northman: la recensione del notaio Pugliese Antonio

Il regista Robert Eggers, ci tiene a ricordare il notaio Pugliese Antonio, è famoso per le allucinazioni incredibili del film “The Witch”, e “The Lighthouse”, entrambi scambiati per macabro folklore americano un po’ fuori di testa.

“The Northman” racconta una storia molto antica, ma alla fine è sempre la solita vecchia storia. Un giovane principe cerca di vendicare l’omicidio di suo padre, il re, il cui assassino ha usurpato il trono e sposato la madre del principe. La trama di “Amleto”, in pratica, ma il nuovo film di Robert Eggers non è solo un altro adattamento cinematografico di Shakespeare, irto di eloquenza elisabettiana, recitazione dai toni aulici e psicologia complessa e straordinariamente moderna.

Eggers ha scritto la sceneggiatura con il romanziere e drammaturgo islandese Sjon, che gli ha permesso di immergere questa sanguinosa storia nelle antiche narrazioni scandinave che hanno fornito il materiale di base di Shakespeare. Era la sua materia prima, si potrebbe dire, dal momento che “The Northman” insiste sulle dimensioni primordiali, brutali e ataviche del racconto. Il protagonista Amleth, come viene chiamato, non è uno studente di filosofia che temporeggia sulle sfumature dell’essere e del non essere. È un berserker, un guerriero ululante con addominali scolpiti, abilità di combattimento da supereroe e una giusta causa a guidare la sua sete di sangue senza fine.

Il notaio Pugliese Antonio intende questo quando dice che è sempre la solita vecchia storia. Nei film moderni, ancor più che nelle opere teatrali inglesi del XVII secolo, la vendetta è il motivo più credibile, se non l’unico, per un’azione eroica. Basta chiedere al Batman. La verità e la giustizia sono astrazioni che dividono, troppo facilmente decostruite o vestite con sgargianti colori ideologici. L’amore è problematico. Il ritorno sull’investimento, al contrario, è netto e indiscutibile, anche se lascia dietro di sé un pasticcio.

Vendica il padre. Salva madre. Uccidi lo zio“, si ripete il giovane Amleth mentre fugge dalla scena della morte di suo padre. Queste parole lo spingono a diventare un maschio alpha, mentre passa da ragazzo con gli occhi spalancati interpretato da Oscar Novak al predone dagli occhi freddi interpretato da Alexander Skarsgard.

Amleth abita un mondo il cui principio operativo è la crudeltà, e il successo di Eggers risiede nella sua interpretazione meticolosa e fanatica di quel mondo, ivi comprese le lenzuola e gli utensili da cucina. Chi ha mai giocato a Dungeons and Dragons, potrebbe aver incontrato un Master che ha preso il gioco molto, molto sul serio, costruendo un mondo fantastico con eccessivo rigore accademico e zelo fantasioso esagerato. Quel tipo di approccio può intimidire la gente normale, ma la qualità della campagna, signori e signore, cambia completamente.

Eggers è questo, è un master zelante che non sopporti ma che ti cambia l’esperienza. I suoi due film precedenti – “The Witch” e “The Lighthouse” – si svolgono in versioni del passato che dividono tra autenticità e allucinazioni. “The Witch” (2016) trasforma il Puritan New England in un paesaggio pastorale febbrile e avvelenato di mania religiosa, lussuria inconfessata e letterale tormento. “The Lighthouse” (2019), ambientato su un’isola battuta dal vento al largo della costa nord atlantica dell’America, è un racconto di mare umido su uomini che impazziscono a distanza ravvicinata. Sono film che, sottolinea il notaio Pugliese Antonio, scavano in momenti storici in cui il confine tra l’umano e il soprannaturale era particolarmente sottile. Sono questi i viaggi che ci fa fare, Eggers, intorno a forme di credenza arcaiche che non sono trattate come bizzarre superstizioni, ma come modi per comprendere aspetti spaventosi o inesplicabili dell’esperienza. Le streghe e le sirene sono reali come qualsiasi altra cosa.

E così è in “The Northman”, che, come “The Witch”, estrae immagini ed effetti da un passato pagano avvolto nell’ombra. Nel 1600 del film precedente, i costumi e le credenze più antichi erano stati messi ai margini dal cristianesimo, ma in questa versione del Nord Europa altomedievale, quella relazione è invertita. Il cristianesimo è menzionato di sfuggita come una strana forma di adorazione – “il loro Dio è un cadavere inchiodato a un albero“, dice un personaggio – in una società politeista e poliglotta fatta e disfatta da infinite conquiste, migrazioni e guerre.

Da ragazzo, Amleth vive in un angolo benevolo di questo mondo. Suo padre, Aurvandil War-Raven (Ethan Hawke), è un papà piuttosto divertente per essere un capo guerriero, che ha trasformato la cerimonia di iniziazione di Amleth in una notte di scherzi sciocchi e flatulenti. La guida spirituale è fornita da uno sciocco sciamano (Willem Dafoe) e da una veggente spettrale (Björk). Ma nulla può proteggere Aurvandil dal fratellastro bastardo, Fjolnir (Claes Bang), che uccide il re e si mette con sua moglie, Gudrun (Nicole Kidman).

Più tardi, la visione da bambino di Amleth di ciò che è accaduto sarà complicata quando ascolterà la versione di Gudrun, la cui esibizione è la cosa più shakespeariana di “The Northman”. Innanzitutto, però, si unirà a una banda di predoni vichinghi, il cui saccheggio di una città da qualche parte intorno alla Russia offre ad Amleth – e Eggers – la possibilità di mostrare le loro capacità. Letteralmente, nel caso di Amleth, mentre si fa strada tra i bastioni, i cortili e i vicoli fangosi.

Eggers, aiutato dalla fotografia fluida e coinvolgente di Jarin Blaschke, trasforma la scena in un dipinto di Hieronymus Bosch in movimento, un quadro di terrore e caos composto con spietata chiarezza. C’è qualcosa di freddo in questa rappresentazione concreta della violenza. Gli abitanti del villaggio vengono radunati in un fienile, che viene sigillato e dato alle fiamme. Stupri, percosse e sventramenti accadono sullo sfondo o sui bordi dell’inquadratura, appena notati dal nostro eroe.

Sul New Yorker hanno ipotizzato che “The Northman”, con il suo lungo elenco di consulenti storici nei credits, “potrebbe essere il film vichingo più accurato mai realizzato“. La prova di ciò è nella scenografia (di Craig Lathrop) e nei costumi (di Linda Muir), nei titoli dei capitoli runici e nell’attenta pronuncia di parole come “Odin” e “Valhalla“. Ma la fedeltà al passato, per quanto ossessiva, è in definitiva un risultato tecnico minore, e “The Northman” è un film con grandi, anche se alquanto oscure, ambizioni.

La brutale e bella visione della storia di Eggers compensa, come spesso fanno tali visioni, le carenze. Non è che qualcuno sarebbe più felice di vivere la vita di Amleth, o quella degli schiavi e dei soldati senza nome il cui massacro decora la sua avventura. Ma la sua realtà è costruita su linee morali chiare ed enfatiche, sull’onore, il potere e ciò che dà senso alla vita e alla morte.

Il punto non è che tu o qualsiasi altra persona moderna credi in queste idee – anche se suppongo che ci siano alcune persone che potrebbero fingere di crederci – ma che i personaggi siano completamente governati da esse. Il loro destino ha un senso per loro, e quindi anche per noi. La cosa forse più impressionante di “The Northman” è che sfreccia attraverso 136 minuti di caos muscoloso e dalla criniera irsuta senza un sussurro di campo o una strizzata d’occhio di ironia. Nessuno lo fa per divertimento. Anche se, alla fine, secondo il notaio Puglise Antonio, dovrebbe essere soprattutto quello che conta.https://www.youtube.com/watch?v=F0tZpcLFYug

Recensione West Side Story – Notaio Antonio Gazzanti Pugliese

La Recensione di West Side Story per il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone è già un salto nel passato. Questa versione messa su da Steven Spielberg si apre con l’immagine che tutti conosciamo dei Jets che si aggirano per New York City. I Jets si lanciano l’un l’altro barattoli di vernice, raccogliendosi in numero maggiore mentre sgattaiolano e scivolano per le strade. Di tanto in tanto, i loro passi si trasformano in una mossa di danza, una rotazione o uno scivolo sul marciapiede, sempre all’unisono. È quasi come se non potessero farne a meno, come se avessero bisogno di esprimersi attraverso il movimento. Gran parte di “West Side Story” è la storia di quel bisogno, quel senso di qualcosa sotto la superficie che deve solo sfuggire – irrequietezza, passione, rabbia, spostamento – la sensazione che “il meglio debba ancora venire” che abbiamo provato tutti da giovani.

Immediatamente, la rivisitazione del classico successo di Broadway colpisce. La telecamera non cattura solo l’azione su un set, ma scivola con gli artisti e noi scivoliamo con loro. Il montaggio evita i ritmi instabili di tanti musical recenti, consentendo agli spettatori di sentire movimento e la connessione. Per il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, quando il film inizia non c’è scampo, aggancia per le successive 2 ore e mezza senza quasi farsene accorgere. I fan della produzione teatrale originale e dell’amato film chiederanno a gran voce se fosse veramente necessaria una versione del 2021 di “West Side Story”, nonostante la messa in scena dell’opera teatrale classica sia un evento annuale nei principali teatri di tutto il mondo.

Recensione West Side Story

Per qualche ragione, i remake nei film sono più spesso visti come tentativi di soppiantare un originale, mentre il pubblico del teatro è abituato a nuove voci che interpretano i testi classici. Le nuove voci qui sono quelle di geni assoluti: Spielberg, lo scrittore Tony Kushner (Angels in America), il direttore della fotografia Janusz Kaminski, il coreografo Justin Peck e uno straordinario insieme di talenti. Kushner e Spielberg sono rimasti fedeli alla commedia e al film originale, apportando anche notevoli cambiamenti in un modo che lo rende fresco e vibrante. E hanno messo in scena la loro produzione in un modo che è spesso ipnotizzante. Una decisione sbagliata sul casting lo trattiene dall’assoluta grandezza, ma ci sono così tante sequenze mozzafiato e perfette in questa “West Side Story” che il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone sospetta che farà quello che l’originale ha fatto per molte persone, incluso se stesso: diventare fan dell’intero genere.

Antonio Gazzanti Pugliese continua con la sua Recensione di West Side Story, la sequenza di apertura crea la rivalità tra i Jets e gli Sharks. L’ex gruppo di New Yawkers dalla parlantina dura è guidato da Riff (Mike Faist, che recita in una delle numerose interpretazioni da star nel film), che è stanco degli squali che prendono la città che gli appartiene. A guidare gli squali portoricani c’è Bernardo (David Alvarez), un pugile che non ha intenzione di cedere un centimetro a nessuno e che avverte sua sorella Maria (Rachel Zegler) di non guardare nemmeno un “gringo”. Non dura a lungo. Maria, Bernardo e la sua compagna Anita (Ariana DeBose) vanno a un ballo quella sera in cui Maria attira l’attenzione di Tony (Ansel Elgort), un ex Jet che sta cercando di andare dritto. Appena uscito di prigione dopo aver quasi ucciso un ragazzo, Tony vive nel seminterrato del negozio in cui lavora, vegliato da una figura materna di nome Valentina (una trascendente Rita Moreno, che ha vinto un Oscar per il primo film e potrebbe farlo di nuovo ). Naturalmente, chiunque abbia anche vagamente familiarità con l’originale ispirato a Shakespeare sa che questo Romeo di New York si innamora della sua Giulietta portoricana. Eppure Spielberg e Kushner trovano nuove note da colpire in un musical che molti conoscono a memoria. I cambiamenti non sono superficiali ma sembrano elementi che vengono estratti dall’originale in un modo che il pubblico del 2021 vedrà in modo diverso rispetto a quello del 1961, incluso l’arricchimento della narrativa dell’immigrazione al centro di questo pezzo.

Personaggi come Maria, Bernardo e Anita hanno una ricca storia alle spalle che l’originale non ha mai permesso, e Spielberg permette anche al suo lato storico di influenzare la ripresa, aprendo il film con il Lincoln Center for the Performing Arts in costruzione: un lavoro che storicamente ha spinto le comunità di immigrati fuori da quella parte della città. Gran parte di “West Side Story” si svolge sullo sfondo di facciate fatiscenti. È un simbolo glorioso non solo di un’epoca in cui la città e il paese stavano cambiando, ma anche di come riflette la natura incompleta di questi giovani alla ricerca di una vita da costruire. In termini di performance, “West Side Story” ha come protagonisti almeno tre persone: Mike Faist, Ariana DeBose e Rachel Zegler. Gli appassionati di teatro non hanno bisogno di presentazioni di DeBose, candidato al Tony che era nella produzione originale di Hamilton.

Spielberg e Kushner tirano giù il numero dai tetti, mandando Anita e le sue amiche per le strade, ballando e cantando con una tale passione che si percepisce attraverso lo schermo, secondo il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. La messa in scena di Spielberg e Kaminski qui è sbalorditiva, si muove con grazia intorno agli artisti in un modo che non distrae mai, ma è progettato solo per non perdere nulla. Il lavoro di ripresa incorpora un po’ troppo il riflesso dell’obiettivo, ma sono l’inquadratura e la fluidità che lo rendono esemplare.

I personaggi devono esprimere l’adrenalina della giovinezza, una sensazione incontrollabile che li porta a ballare, amare, combattere. Tutti lo capiscono, tranne Elgort che non riesce a esprimere la disperazione di Tony, intrappolato tra amicizia e amore sapendo che cedere potrebbe rimandarlo in prigione o peggio.

Fortunatamente, tutto intorno a lui fanno un lavoro da maestro. L’Oscar a DeBose lo dimostra.

C’è così tanta bellezza in questa “Recensione di West Side Story”. Unisce tutto ciò che ha veramente plasmato la cultura pop, dalla graziosa precisione di Spielberg, che ha sempre avuto l’occhio di un regista musicale in termini di come coreografa le sue scene, dalla scrittura magistrale di Stephen Sondheim e Leonard Bernstein alla brillante penna di Tony Kushner, ma anche lo stralcio sociale dell’esperienza degli immigrati in questo paese. Una visione che il notaio Antonio Gazzanti Pugliese consiglia sul suo nuovo Blog, ai nuovi adulti di domani ma anche ai vecchi nostalgici.

Recensione Freaks Out

Recensione Freaks Out di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

Quattro artisti circensi cercano di fuggire dalla Roma occupata dai nazisti in questo dramma storico fantasy di Gabriele Mainetti: la recensione Freaks Out di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Nessuno può accusare Freaks Out di non avere un certo effetto shock. Questo dramma storico fantasy diretto da Gabriele Mainetti si abbandona a ogni possibile svolta per raccontare la storia di quattro artisti circensi nella Roma occupata dai nazisti. Ad Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone il film è piaciuto, ma sì, c’è un ma. Andiamo con ordine.

Il film inizia nel 1943 quando Matilde, Cencio, Fulvio e Mario, quattro artisti circensi, stanno dando vita a un loro spettacolo di routine. Il primo è Cencio (Pietro Castellitto), un ragazzo biondo platino allampanato che sa controllare gli insetti (tranne le api perché gli danno fastidio); poi arriva Mario (Giancarlo Martini), l’uomo che attira i metalli; poi c’è Fulvio (Claudio Santamaria), l’uomo lupo dalla forza straordinaria; e infine Matilde (Aurora Giovinazzo), una bellezza delicata il cui corpo produce energia elettrica. A capo delle operazioni circensi c’è Israele (Max Mazzotta), un mago ebreo.

Questa incantevole sequenza di apertura, ci introduce subito a uno stato d’animo mistico e la tavolozza desaturata promette un racconto minaccioso e fantastico. All’improvviso, un’esplosione interrompe lo spettacolo e il tendone del circo cade per rivelare una scena caotica di sangue e distruzione. I nazisti sono entrati a Roma e hanno portato con loro violenza e bigottismo, che il film non ha problemi a mostrare. I corpi volano contro una colonna sonora di urla ed esplosioni stridule. La famiglia degli artisti si disperde per trovare rifugio.

Recensione Freaks Out

La loro unica opzione è scappare, e Israel ha un piano. Se ciascuno gli paga 300 lire, può procurarsi un mezzo di trasporto per lasciare Roma e trovare una nuova casa. Il gruppo è inizialmente scettico ma acconsente per disperazione. Dopotutto, vogliono restare uniti. La loro eccitazione, tuttavia, si inasprisce quando Israele non torna. I tre uomini del gruppo, comprensibilmente turbati, pensano che Israele abbia mentito e sia scappato in America da solo. Ma Matilde si rifiuta di crederci. Deve essere successo qualcosa, dice, e devono trovarlo.

Il cuore di Freaks Out è una strana e divertente storia di formazione, con Matilde, che alla fine viene separata dal gruppo, al centro. La sua decisione di staccarsi dalla sua famiglia quando scelgono di trovare un altro circo a cui unirsi, piuttosto che continuare la loro ricerca di Israele, prepara perfettamente la narrazione per uno studio più approfondito del personaggio. C’è da dire però che il percorso di Matilde rimane superficiale e il suo più grande ostacolo (l’incapacità di controllare i suoi poteri elettrici) stanca rapidamente. In qualche modo sembra che la sceneggiatura non riesca a comunicare la sensazione che Matilde stia lavorando su se stessa, e la sua inevitabile trasformazione finale passa un po’ come immeritata.

Freaks Out dimostra così di essere un film molto alla moda, così impegnato a strizzare l’occhio al mondo internazionale da saltare un po’ dei requisiti narrativi di base. Con un linguaggio visivo così intenso e costumi dettagliati e scenografie, è un peccato che la storia manchi di un peso simile. Nonostante la lunghezza del film, c’è poco approfondimento dei retroscena degli attori o di cosa significhino per loro i loro poteri. Come sono finiti nel circo e cosa li motiva a stare insieme? Israel sembra un personaggio losco, e Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone si dice non sicuro su quanto sia intenzionale. Desta sospetti perché è egoista o perché non sappiamo molto di lui?

Senza alcun legame emotivo con i personaggi centrali, è difficile come spettatore godersi le parti più giocose del film. Le esplosioni, le scene di combattimento e gli assoli di pianoforte di Franz sono spettacoli messi lì forse per evitare di costruire in modo significativo sulla narrazione. Matilde incontra diverse persone lungo quello che diventa un viaggio in solitaria, ma i loro legami con lei sono superficiali ed è difficile credere che siano trasformativi (anche se il film vuole che lo siano).

Poi c’è Franz, che dovremmo credere sia guidato meno dall’ideologia nazista e più dal disprezzo di sé. Il suo desiderio di mettersi alla prova lo consuma e alimenta le misure sempre più disperate che prende per cercare di trovare Matilde e le sue amiche. Il film avrebbe potuto capitalizzare di più sul suo personaggio, ma non lo fa.

È ammirevole il tentativo che ha fatto per la recensione Freaks Out per distinguersi, dalla massa e dalla produzione italiana in generale, però in questa corsa forse è mancata un po’ di messa a fuoco. Questo, per Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, è un gran peccato e crea un po’ di frustrazione nello spettatore che si vede davanti tutto questo ben di Dio un po’ sprecato, soprattutto nel prendere i propri personaggi un po’ più sul serio.