Categoria: Recensioni film

Attenzione: questo post contiene spoiler per “Barbie”.

Il film “Barbie” è già sulla bocca di tutti da oltre un anno, molto prima del suo arrivo nelle sale. L’ossessione è nata quando è apparsa la foto di Margot Robbie e Ryan Gosling che pattinavano su Venice Beach in abiti neon la scorsa estate. Ma la regista Greta Gerwig non si è affrettata a rilasciare dettagli sulla trama del film, e anche il trailer ufficiale del film rivelava poco su ciò che accade realmente nel film.

“è impossibile descrivere questo film. I trailer e i suoni alludono a quanto sia divertente e spettacolare. Ma non scalfiscono la superficie di quanto sia profondo, o tutti gli elementi tematici che affronta”, ha Simu Liu che interpreta un Ken nel film.

Il film di Barbie è per bambini?

Vista tutta la confusione iniziale, la domanda sorge spontanea: “Barbie” è un film adatto ai bambini? No, non lo è, a meno che vostro figlio o vostra figlia non siano DAVVERO interessati allo studio delle norme di genere e/o sappiano cosa significa il termine “proustiano“. (Ciò potrebbe persino squalificare alcuni adulti, specifica il notaio Gazzanti Pugliese).

“Barbie” ha ottenuto una valutazione PG-13 dalla Motion Picture Association per i riferimenti del film e il linguaggio. Questo lo rende al massimo adatto ai giovani adolescenti. Il linguaggio sessuale viene interpretato come uno scherzo, come quando la Barbie interpretata da Kate McKinnon si interroga sulla “macchia” nei pantaloni di Ken o Barbie urla a un operaio edile “Non ho una vagina!“.

Il film inizia con toni vivaci e piacevoli, ma quando la Barbie di Robbie lascia cadere la battuta, “Ragazzi, pensate mai alla morte?” a una festa da ballo di Dreamhouse, dà il via a una serie di tematiche importanti in cui il film si tuffa coraggiosamente, come il significato della vita e il ruolo del patriarcato.

I preadolescenti e gli adolescenti potrebbero apprezzare la denuncia sociale (che Gerwig ha reso semplice e facilmente digeribile), e i bambini di circa 9 o 10 anni apprezzeranno l’umorismo bizzarro, ma non potranno pienamente afferrare la discussione intellettuale su cui si muove tutto il film. I più giovani ancora probabilmente troveranno noiose molte parti e potrebbero agitarsi mentre aspettano che Barbie faccia qualcos’altro di divertente.

Vale la pena vedere il nuovo film di Barbie?

Certamente sì (per gli adulti, che magari con Barbie ci sono cresciute o cresciuti). Oltre ad essere esilarante e perfettamente orchestrato, “Barbie” è una commedia accattivante e stimolante con un sacco di buoni messaggi che riguardano il femminismo, l’identità, la mascolinità tossica, la fiducia in se stessi e l’amor proprio. Mamme e figlie adolescenti avranno certamente un punto di incontro qui, tra nostalgia e questioni contemporanee, papà e figli adolescenti potranno riflettere se sono Ken o no, e cosa possono fare per migliorarsi. “Barbie” dà molto a cui pensare; è più di una bambola, è un’esplorazione delle principali questioni esistenziali.

La descrizione del film recita solo: “Vivere a Barbie Land significa essere un essere perfetto in un posto perfetto. A meno che tu non abbia una crisi esistenziale completa. Oppure sei un Ken”.

Temi esistenziali più familiari agli adulti si fanno sentire sempre di più man mano che il film avanza, soprattutto quando Barbie deve affrontare i piedi piatti, la cellulite e i pensieri depressivi. E una volta che Barbie entra nel mondo reale ed è esposta al sessismo e al patriarcato, ci fa vedere coi suoi occhi il modo in cui le donne vengono trattate nella società. E abbiamo bisogno anche di questi occhi, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese.

Mentre Ken torna a Barbie Land radicalizzato dal patriarcato, ci sono alcune scene di lieve violenza, ma niente che possa spaventare un bambino piccolo. Barbie è una storia di femminismo appoggiata con cura e garbo, dai toni rosa shocking. Ce n’è sicuramente ancora bisogno.

L’adattamento televisivo di “The Last of Us” tiene testa alla sceneggiatura del videogioco, a dimostrare che cavallo che vince non si cambia. La storia: nel 2003, un’epidemia di un fungo infettivo che trasforma gli ospiti umani in mostri immortali lasciando il mondo in rovina. Vent’anni dopo, il sopravvissuto Joel (Pascal) è costretto a viaggiare attraverso gli Stati Uniti con l’orfana adolescente Ellie (Ramsey), che ha un segreto che potrebbe cambiare il mondo.

Uscito per PlayStation 3 del 2013, “The Last of Us” dell’azienda Naughty Dog è uno dei più grandi videogiochi di sempre, che ha segnato un’epoca. I giocatori assumevano i ruoli di Joel, un padre che aveva perso la figlia all’inizio della pandemia e diventato contrabbandiere del mercato nero, e la quattordicenne Ellie, un’orfana incontrata nella post-apocalisse, in un’America militarizzata e dominata dagli zombi. L’IP che ha segnato una svolta originale sul modello del thriller di zombi, ha aperto nuovi orizzonti con i suoi temi risonanti, con un gameplay intensamente fluido, e una scrittura insolitamente buona.

E c’è una domanda che ha ossessionato tutti prima della visione: ma perché prendere qualcosa che ha funzionato così bene e cercare di rifarlo? Era perfetto!

La risposta arriva dai co-showrunner Neil Druckmann (il creatore originale del gioco) e Craig Mazin (lo sceneggiatore/produttore dietro Chernobyl, altrettanto apocalittico e altrettanto eccellente). Il live-action The Last Of Us è un superbo esempio di come far funzionare un adattamento, di come conservare gli elementi di ciò che ha funzionato pur avendo la fiducia necessaria per esplorare nuove strade audaci, per espandere l’universo, per creare qualcosa che resista sui suoi due piedi. E hanno approfittato di questa occasione per dare una lezione a tutti.

The Last of Us la serie

Gli zombi in “The Last of Us” non sono non morti. Sono umani infettati da una versione truccata del fungo Cordyceps della vita reale, che assume le funzioni cerebrali delle creature, principalmente insetti. In “The Last of Us”, gli umani sono suscettibili a questa infezione fungina e diventano mostri maniacali e famelici. E a differenza di una pandemia virale, non esiste un vaccino.

L’interpretazione di HBO del videogioco ricalca e amplia la visione. Ci sono scene durante la prima stagione che sono riprese in linea diretta di scene chiave del gioco. I nove episodi seguono esattamente gli stessi ritmi della storia e quasi gli stessi luoghi del gioco originale. Le persone che conoscono il gioco a memoria saranno probabilmente in grado di recitare alcune battute proprio mentre vengono pronunciate nello spettacolo. E, in più, ne avranno la memoria fisica, perché avranno probabilmente fatto gli stessi movimenti di Joel in questa o quella situazione ed è una ricchezza indescrivibile che è impossibile provare altrove.

Seguiamo Joel (Pedro Pascal) ed Ellie (Bella Ramsey) nel loro difficile viaggio attraverso gli Stati Uniti post-apocalittici, da Boston al Wyoming, affrontando gli zombi (conosciuti qui come “infetti”), alla ricerca di una cura, o almeno di una sorta di vaccino.

Per chiunque abbia giocato al gioco, è un’esperienza a volte surreale vederne i momenti più iconici (il grattacielo crollato, le giraffe) magnificamente resi in live action. Ma – a parte un momento in cui Joel dice a Ellie che le “darà una spinta”, un cenno furbo a una delle meccaniche chiave del gioco – non sembra mai di guardare un videogioco.

Poiché “The Last of Us” era già strutturato e scritto come uno show televisivo, la versione della HBO è pronta per funzionare – e lo fa. Tratta bene la maggior parte delle scene chiave, con rispetto e amore.

Ad esempio, la storia dei fratelli Sam ed Henry, già personaggi cardine del gioco, viene ampliata a raccontare la loro difficile situazione e le ragioni per cui vogliono unirsi a Joel ed Ellie. Si sentono meno personaggi in una “ricerca secondaria” in un gioco, soprattutto perché la loro relazione ora traccia parallelismi più forti e chiari tra loro e Joel e suo fratello maggiore.

Il più avvincente di tutti gli episodi è il terzo: straordinario, quasi indipendente, che racconta l’intera storia di Bill, un personaggio molto minore interpretato da un superbo Nick Offerman. È reimmaginato qui come un sopravvissuto e originariamente pazzo cospirazionista, che si è preparato a sopravvivere agli zombi per tutta la vita, dimostrando che è possibile tirare fuori una buona distopia dalle rovine del mondo. Dire di più potrebbe rovinare l’esperienza; basti sapere che è una delle più belle ore televisive della memoria recente.

Questo, è ciò che è così impressionante di questo adattamento: quanto sia pienamente immerso in questo mondo. Con il vantaggio di un generoso budget HBO, c’è un incredibile senso di scala in questa apocalisse, dai piccoli dettagli – come il tizio che indossa una maglietta della campagna presidenziale di Al Gore, un particolare insignificante che però ci ferma nel tempo dei primi 2000 (quando le cose, chissà come sarebbero potute andare) – al CGI impeccabile, che ci porta davanti a una grande cinematografia e un sontuoso design di produzione.

E non è mai meno che incredibilmente bello.

In “Ti presento Joe Black” c’era una frase famosa “Poche cose nella vita sono certe oltre alla morte e alle tasse”. Dopo aver visto Everything, Everywhere, all at once, possiamo aggiungere a queste certezze anche il fatto che prima o poi bisognerà fare il bucato. Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone è andato a vedere il film campione di incassi e di Oscar, per capire.

E il film inizia proprio con i personaggi dello sceneggiatore/regista Daniel Kwan e Daniel Scheinert, noti collettivamente come Daniels, all’interno della lavanderia di famiglia che dà inizio alle danze: incredibili, emotive, filosofiche e stramboidi di questo capolavoro che è, “Everything Everywhere All at Once”. E pian piano ci affacciamo attraverso lo specchio nel multiverso, scoprendo una saggezza metafisica lungo la strada.

In questa lettera d’amore al cinema di genere, Michelle Yeoh offre una performance virtuosa nei panni di Evelyn Wang, la co-proprietaria di una lavanderia a gettoni sotto controllo dell’IRS. La incontriamo per la prima volta mentre si gode un momento felice con suo marito Waymond (Ke Huy Quan) e la loro figlia Joy (Stephanie Hsu). Vediamo i loro volti sorridenti riflessi in uno specchio sulla parete del soggiorno. Mentre la telecamera ingrandisce lo specchio, il sorriso di Evelyn svanisce, e la ritroviamo ora seduta a un tavolo inondato di ricevute di lavoro. Si sta preparando per un incontro con un auditor e contemporaneamente cucina per la festa di capodanno cinese che dovrà essere all’altezza degli elevati standard del padre Gong Gong (James Hong).

Oltre a destreggiarsi tra il padre e la verifica fiscale, Evelyn deve combattere anche con la figlia Joy, che vuole portare la sua ragazza Becky (Tallie Medel) alla festa (chissà come la prenderà Gong Gong?) e con il marito che invece vuole parlarle del loro matrimonio.

Proprio mentre Evelyn inizia a sentirsi sopraffatta da tutto ciò che accade nella sua vita, riceve la visita di un’altra versione di Waymond da quello che lui chiama l’universo Alpha. Da qui, gli umani saltano tra gli universi per scappare da Jobu Tupaki, una minaccia mortale a tutti i mondi esistenti. Da qui a pochissimo, Evelyn viene catapultata in un’avventura da un universo all’altro che la porta a mettere in discussione tutto ciò che pensava di sapere sulla sua vita, i suoi fallimenti e il suo amore per la sua famiglia.

Everything, everywhere all at once: un nome, un perché

La maggior parte dell’azione è ambientata in un edificio molto simile a un’Agenzia delle Entrate, dove Evelyn, beh, semplicemente combatte. Antonio Gazzanti Pugliese si aspettava del karate da questo film, ma non certo le trame assurde che poteva prendere. Evelyn combatte contro la Jamie Lee Curtis premio Oscar anche lei, e contro moltissime guardie di sicurezza. Ma che dire, combatte proprio con tutti!

Lo scenografo Jason Kisvarday ha creato un ufficio apparentemente infinito pieno di cubicoli in cui qualsiasi cosa, dalla lama di un tagliacarte a un auditor dell’anno a forma di tappo, diventa un gioco leale in una battaglia per salvare l’universo.

Il ritmo vertiginoso del montatore Paul Rogers corrisponde al dialogo frenetico della sceneggiatura, con strati di universi che si ripiegano simultaneamente l’uno nell’altro mentre promuovono anche il viaggio interiore di Evelyn. I tagli di corrispondenza collegano perfettamente gli universi insieme, mentre quelli giocosi aiutano a enfatizzare l’umorismo, altro centrale fulcro del film.

Lo spettacolo dell’assurdo! Antonio Gazzanti Pugliese

Ogni universo, come sempre, nasce da scelte fatte e non fatte. I riferimenti cinematografici si sprecano tra uno e l’altro: da “The Matrix” a “The Fall” a “2001: Odissea nello spazio” a “In The Mood For Love” a “Ratatouille”. Con un piccolo cammeo di Michelle Yeoh che si fa strada nel film con amorevoli richiami ai suoi giorni di film d’azione di Hong Kong e al classico “La tigre e il dragone“. Le sequenze di combattimento, coreografate da Andy e Brian Le, hanno una bellezza da balletto, sapientemente girate dal direttore della fotografia Larkin Seiple in ampie inquadrature che consentono a corpi interi di riempire l’intero schermo.

Yeoh è il fulcro del film, con un ruolo che mette in mostra tutti, ma proprio tutti, i suoi talenti: arti marziali, superbo tempismo comico, capacità di scavare profondità infinite ricche di emozioni umane, spesso solo da uno sguardo o una reazione. È una star del cinema e questo è un film che lo sa. Guardarla brillare così intensamente e chiaramente fa semplicemente commuovere come capita davanti alle cose meritate, secondo Antonio Gazzanti Pugliese.

Proprio come Evelyn attinge all’iconografia di Yeoh, le sfaccettature di Waymond possono essere trovate in tutta la carriera unica di Quan. Il tempismo comico dei suoi ruoli d’infanzia come Data in “The Goonies” e Short Round in “Indiana Jones and the Temple of Doom” riecheggia nel marito nebbioso di Evelyn. Il suo lavoro come coordinatore del combattimento si manifesta nell’abile eroe d’azione di Alpha, capace di usare un marsupio per eliminare un gruppo di aggressori. Anche il suo tempo come assistente alla regia di Wong Kar Wai in “2046” può essere trovato nell’universo in cui interpreta il disinvolto colui che è riuscito a scappare. Quan affronta queste variazioni con disinvoltura, portando pathos a ciascuna e servendo come gentile promemoria che c’è forza nella gentilezza.

Mentre la relazione di Evelyn e Waymond va e viene in iterazioni attraverso i multiversi, è la loro figlia Joy che dimostra di essere il centro. In una vera performance di successo di Stephanie Hsu, Joy rappresenta un crescente divario generazionale. Porta il peso della relazione fratturata di Evelyn con suo nonno e le delusioni di un sogno americano non realizzato. La sua stranezza era estranea a sua madre come lo era il paese quando lei stessa era arrivata. La sua mancanza di scopo è stata una delusione maggiore a causa di tutto ciò che Eveyln ha sacrificato per lei per avere più opzioni nella vita di lei.

Questa pressione si manifesta in una ribellione così grande che si estende oltre i multiversi in un regno in cui un buco nero è pronto a risucchiare tutti nel vuoto.

In mezzo a questo film che vola così veloce, c’è una storia estremamente toccante sui percorsi che scegliamo di prendere nelle nostre vite, su quelli che non abbiamo preso e su come ci portano esattamente dove dobbiamo Essere. Momenti di amore e cameratismo. Ovunque. Tutti in una volta. Un film da accogliere a braccia aperte in tutte le sue stranezze, conclude Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Uno splendido Brendan Fraser interpreta un insegnante di scrittura obeso che fa i conti con il dolore e il rimpianto. Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone ha visto “The Whale” nell’ultimo film di Darren Aronofsky

Si muove su un filo del rasoio, l’ultimo film di Darren Aronofsky. Un adattamento teatrale a schermo sotto la direzione della fotografia di Matthew Libatique e un regista che guida il pubblico di questa storia di dolore e autodistruzione, con un Brendan Fraser obeso cronico che interpreta i panni di Charlie, che sta cercando di ricostruire la sua relazione con la figlia. Il commento a caldo di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone è stato sconcerto, stupore, e un leggero fastidio.

La prima sfida che ci propone Aronofsky è guardare oltre i nostri pregiudizi e le idee pre-programmate di attrazione, per trovare la bellezza in Charlie, nella melodia calda e avvolgente della sua voce, nella sua anima poetica e appassionata. Ma allo stesso tempo mostra Charlie in un modo che accentua l’umiliazione della sua esistenza, per lo più basata sul divano. La telecamera è posizionata in basso mentre Charlie si alza in piedi, riducendo questo personaggio complesso e ferito a poco più di una cascata di carne. Poi c’è l’illuminazione senz’aria, leggermente sgradevole e la tavolozza dei colori dello spazio abitativo di Charlie, che sembra essere stato girato dall’interno di un cesto della biancheria particolarmente fetido. Il film è pensato per respingerci e spesso ci riesce. È facile, e allettante, odiarlo.

Ma, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, ciò significherebbe ignorare la sua forza redentrice: i personaggi autenticamente intricati e le performance che li abitano. E non solo Fraser, recentemente candidato all’Oscar, di una bravura incredibile, con un magnetismo personale fa gli straordinari. Superba è anche Hong Chau, nei panni di Liz, l’amica e badante di Charlie, e, in un vertiginoso cameo nei panni dell’ex moglie di Charlie, la sempre formidabile Samantha Morton.

Charlie è un professore universitario di scrittura, che non lascia mai il suo appartamento. Conduce le sue lezioni online, disabilitando la fotocamera del suo laptop in modo che gli studenti non possano vederlo. Anche la cinepresa rimane in casa per la maggior parte del tempo. Di tanto in tanto si ha una vista esterna dello squallido edificio in cui vive Charlie, o prendiamo una boccata d’aria fresca sul pianerottolo davanti alla sua porta. Ma queste pause sottolineano solo un pervasivo senso di reclusione.

Basato sull’opera teatrale di Samuel D. Hunter (che ha scritto la sceneggiatura), “The Whale” è un film claustrofobico. Piuttosto che aprire un testo legato al palcoscenico, come potrebbe fare un regista meno sicuro di sé, Aronofsky intensifica la stasi, il calamitoso senso di blocco che definisce l’esistenza di Charlie. Charlie è intrappolato nelle sue stanze, in una vita che è andata fuori dai binari, e soprattutto nel suo stesso corpo. È sempre stato un tipo grosso, dice, ma dopo il suicidio del suo amante, il suo modo di mangiare “è andato fuori controllo”. Ora la sua pressione sanguigna sta aumentando, il suo cuore sta cedendo e il semplice alzarsi e sedersi richiedono uno sforzo enorme e un’assistenza meccanica.

La taglia di Charlie è il simbolo dominante del film e il principale effetto speciale. Racchiuso nella carne protesica, Brendan Fraser, che interpreta Charlie, offre una performance che a volte è di una grazia disarmante. Usa la sua voce e i suoi grandi occhi tristi per trasmettere una delicatezza in contrasto con la grossolanità corporea del personaggio. Ma quasi tutto ciò che riguarda Charlie – il suono del suo respiro, il modo in cui mangia, si muove e suda – sottolinea la sua abiezione, a un livello che inizia a sembrare crudele e voyeuristico.

“The Whale” si svolge nel corso di una settimana, durante la quale Charlie riceve una serie di visite: dalla sua amica e custode informale, Liz (Hong Chau); da Thomas (Ty Simpkins), un giovane missionario che vuole salvarsi l’anima; dalla figlia adolescente separata, Ellie (Sadie Sink), e dall’ex moglie amareggiata, Mary (Samantha Morton). C’è anche un fattorino della pizza (Sathya Sridharan) e un uccello che di tanto in tanto si presenta fuori dalla finestra.

Charlie non è l’unica balena in “The Whale”. Il suo bene più prezioso è un documento studentesco su “Moby Dick”, la cui paternità viene rivelata alla fine del film. È un bel pezzo di critica letteraria ingenua – forse la migliore sceneggiatura del film – su come i guai di Ishmael abbiano costretto l’autore a pensare alla sua vita.

Forse i guai di Charlie dovrebbero avere lo stesso effetto. Diventa il punto nodale in una rete di traumi e rimpianti, agente, vittima e testimone dell’infelicità di qualcun altro. Ha lasciato Mary quando si è innamorato di uno studente maschio, Alan, che era il fratello di Liz ed era cresciuto nella chiesa che Thomas rappresenta. Mary, una forte bevitrice, ha tenuto Charlie lontano da Ellie, che è diventata un’adolescente ribelle.

Tutto questo dramma esplode in raffiche di verbosità che probabilmente nascono dalla matrice teatrale dello spettacolo, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. La sceneggiatura travolge la logica narrativa mentre merita credito extra per l’onestà emotiva. Ma l’elaborazione delle varie questioni comporta molti spostamenti ed evasioni. Tutti e nessuno sono responsabili; le azioni hanno e non hanno conseguenze. Argomenti del mondo reale come la sessualità, la dipendenza e l’intolleranza religiosa fluttuano liberi da qualsiasi senso credibile della realtà sociale. La morale che emerge dalle urla (e dal faticoso pompaggio dei nervi della colonna sonora di Robert Simonsen) è che le persone sono incapaci di non preoccuparsi l’una dell’altra.

Forse? Herman Melville e Walt Whitman forniscono una zavorra letteraria per questa idea, ma come esplorazione – e argomento a favore – del potere della simpatia umana, ‘The Whale’ è annullato dalla psicologizzazione semplicistica e dalla confusione intellettuale.

Aronofsky ha la tendenza a giudicare male i propri punti di forza come regista. È un brillante manipolatore di stati d’animo e un formidabile regista di attori, specializzato in personaggi che si fanno strada attraverso l’angoscia e l’illusione verso qualcosa come la trascendenza.

Mickey Rourke lo ha fatto in “The Wrestler”, Natalie Portman in “Black Swan”, Russell Crowe in “Noah” e Jennifer Lawrence in “Mother!”. Questa è l’offerta di Fraser per unirsi alla loro compagnia – anche Chau è eccellente – ma “The Whale”, come alcuni degli altri progetti di Aronofsky, rimane sommerso dalle sue grandi e vaghe ambizioni. Secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone in conclusione, The Whale è un film da vedere nella speranza di fare un passo indietro la prossima volta che incontreremo una persona grassa e avremmo l’istinto di giudicarla.

“Parasite” è un film del regista sudcoreano Bong Joon-ho che ha vinto numerosi premi, tra cui la Palma d’Oro al Festival di Cannes nel 2019 e quattro premi Oscar nel 2020, tra cui Miglior Film e Miglior Regista. Meritatissimi, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Il film segue la storia della famiglia Ki-taek, che vive in un sottoscala affollato e lotta per sopravvivere. La loro vita cambia radicalmente quando uno di loro viene assunto come tutor per la famiglia ricca e borghese dei Park. Poco a poco, tutta la famiglia Ki-taek trova un modo per infiltrarsi nella vita lussuosa dei Park, ma le cose non vanno come previsto.

“Parasite” è un film davvero sorprendente che mette in discussione la società e l’ineguaglianza sociale attraverso una narrativa intensa e avvincente. La sceneggiatura è ben scritta e sorprende continuamente lo spettatore con svolte inaspettate e colpi di scena. La regia di Bong Joon-ho è eccezionale e riesce a creare un’atmosfera unica e avvincente che ti tiene incollato allo schermo per tutta la durata del film.

Tutti gli attori offrono prestazioni straordinarie: l’intero cast lavora in armonia per creare personaggi completi e credibili, primo tra tutti il padre della famiglia Ki-taek, Song Kang-ho, è in grado di trasmettere intense emozioni anche quando è in silenzio.

La satira come va usata – il commento di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

L’uso della satira come critica sociale in “Parasite” è molto astuto e sottile. Il film mette in risalto la disuguaglianza sociale e la lotta della classe operaia per sopravvivere, ma lo fa con un tono leggero e per niente polemico. Bong Joon-ho utilizza questo linguaggio per esprimere la sua critica nei confronti della società sudcoreana e della disuguaglianza economica e sociale che esiste tra la classe ricca e quella povera. La famiglia Ki-taek rappresenta la classe operaia e il modo in cui cercano di sfruttare la situazione per migliorare la loro vita passa attraverso scene comiche, che si contrappongono alla caricatura dell’altra famiglia, i Park, che fanno parte della classe ricca, superficiale e ridicola.

Questo uso del linguaggio in chiave satirica, rende la critica sociale molto più efficace, poiché l’argomento viene trattato senza quasi prendersi sul serio, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Inoltre, la satira aiuta a mettere in evidenza l’assurdità della situazione e a far riflettere lo spettatore sulla disuguaglianza sociale e sulla mancanza di opportunità per la classe operaia in modo intelligente, e favorire la riflessione nei confronti dei meccanismi di potere e delle dinamiche che governano la società.

Il film mostra come la classe ricca sfrutti il potere e il denaro per mantenere la propria posizione dominante, e come la classe operaia sia costantemente oppressa e sfruttata, senza alcuna possibilità di riscatto. In “Parasite” questo è l’elemento chiave che rende questo film un’opera davvero eccezionale, accessibile e interessante mentre affronta problemi importanti senza mai renderli pesanti.

La trama si sviluppa in modo fluido e naturale, e ti tiene incollato allo schermo fino alla fine. Con una fotografia straordinaria che accompagna lo studio del design delle location in un’atmosfera unica e convincente, unitamente a una colonna sonora che interpreta alla perfezione i toni e gli umori delle parti della storia.

Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone consiglia la visione di “Parasite” non solo perché è un film eccezionale, ma perché esce dalla solita narrazione occidentale, ma trova un linguaggio universale che, forse, è la matrice stessa dell’arte del cinema.

In questo film visto nel weekend da Antonio Gazzanti Pugliese, Brad Pitt interpreta un amabile assassino che rimane bloccato su un treno ad alta velocità, Bullet Train per l’appunto, con un gruppo eterogeneo di altri assassini e non è facile per lui uscirne.

Il film è in due parole vertiginoso e violento. Il “Bullet Train” è un treno giapponese che viaggia a una velocità molto superiore a un nostro Frecciarossa. In poche parole Brad Pitt salva il film: è scherzoso, a volte proprio divertente, prevedibile ma non male. Si evidenzia un problema: Hollywood è ormai così abituata a sfornare storie stupide e brutali, che ora i registi non hanno neanche più bisogno di spiegare le carneficine con moralismi o codici etici. Questo rende il film uno splatter fatto davvero bene, senza pretese, nonostante la prova d’attore incredibile del protagonista e dei comprimari.

Bullet Train: la storia

A tirare le somme, Antonio Gazzanti Pugliese si sente tranquillo nel dire che la storia è casuale; l’atmosfera è nello stile Looney Tunes visti da Tarantino. Per lo più si trasforma in cattivi che combattono, uccidono e combattono ancora un po’ mentre un Pitt scioccato si sposta da un convoglio all’altro tirando pugni, scherzando, rapinando, complottando e correndo. Il suo personaggio, un assassino che ha una crisi di fede, è un mercenario della malavita che prende ordini da una pacata Sandra Bullock che rimane in gran parte fuori dallo schermo. Per la sua nuova missione deve rubare una valigetta, un lavoro che affronta con problemi di ansia, abilità e un cappello bianco che presto abbandona, scatenando una perfetta tempesta di violenza.

Liberamente adattato da “Maria Beetle“, dell’autore giapponese Kotaro Isaka, il film è stato diretto da David Leitch e scritto da Zak Olkewicz. Come ci si potrebbe aspettare da un oggetto di studio di grande valore, ci sono stati cambiamenti nella transizione allo schermo, inclusa la composizione strategica dal punto di vista commerciale dei personaggi principali. La maggior parte ora sono occidentali, tra cui Benito Antonio Martínez Ocasio, alias Bad Bunny, che appare come una caricatura del cartello, Brian Tyree Henry e Aaron Taylor-Johnson, che interpretano degli assassini britannici in team. A bordo ci sono anche Joey King, Hiroyuki Sanada, Andrew Koji, Zazie Beetz, Michael Shannon e una sottoutilizzata Karen Fukuhara.

Secondo Antonio Gazzanti Pugliese, il film si regge su questo cast e sulle coreografie acrobatiche. Leitch si giostra bene negli stretti corridoi del “Bullet Train” mentre corre da Tokyo a Kyoto. Fa un lavoro straordinario. Uno dei combattimenti più divertenti vede il personaggio di Ladybug ed Henry alle prese coi sedili faccia a faccia su un tavolo, i loro corpi alla fine si intrecciano mentre lottano e si contorcono.

L’opinione di Antonio Gazzanti Pugliese

Se il regista Leitch non lavora sempre bene negli spazi ristretti del treno – ogni vagone è un set cinematografico separato –è in parte perché è troppo impegnato a destreggiarsi tra le molte sezioni della storia, tra cui un sacco di flashback che allontanano dall’azione principale per riempire uno degli sfondi dei personaggi, che non sono mai così coinvolgenti come Pitt. Questi flashback aggiungono una consistenza trascurabile alla trama e ancora meno interessanti. Peggio ancora, Leitch non riesce mai a creare uno slancio narrativo prolungato all’interno del treno, il che appiattisce gravemente il film nel complesso.

“Bullet Train” non ha idee, suggerisce Antonio Gazzanti Pugliese, al di là dei problemi spaziali presentati da tutti i corpi che si spingono trovano all’interno di piccoli spazi, il che significa che non c’è molto da immaginare o provare, se non pensare a quanto sia bello Pitt. Certamente, gran parte dell’energia creativa qui è andata a trovare modi diversi per far morire le varie persone o per uccidersi a vicenda. Spade, veleni, esplosioni e colpi di pistola che si perdono in una spirale mortale.

La maggior parte dei personaggi sono servitori usa e getta intercambiabili che scorrazzano in giro prima di essere sterminati da qualcun altro con pistole e cervelli più grandi. Come ti aspetteresti dal titolo, molti di questi subalterni vengono uccisi a colpi di arma da fuoco con pistole di dimensioni assortite. I personaggi sono crivellati, fatti a pezzi, annientati in una trafila di bang e risate.

“Bullet Train” ha i suoi momenti, alcuni momenti comici, alcune mosse fluide, ma Leitch ha fatto di meglio altrove, incluso nell’originale “John Wick“, che ha diretto (non accreditato) con Chad Stahelski. Una storia di vendetta, “John Wick” ha un numero di corpi altrettanto alto, ma è meglio strutturato, più modulato e ha una debole patina di alterità. L’eroe di “John Wick” è in missione; Ladybug è al lavoro. In altre parole, “John Wick”, presenta una giustificazione morale per il suo massacro. “Bullet Train” non si preoccupa nemmeno di offrire fantasie così auto-elevative e lusinghiere per il pubblico: la sua sete di sangue, decide, che basti a giustificare il tutto. Antonio Gazzanti Pugliese è rimasto per questo molto interdetto.

Una commedia che parla di vendetta, accoppia due star incredibili che si riuniscono per regolare un vecchio conto.

Dopo aver trascorso sette stagioni insieme a vivere quasi senza sforzo i panni di Grace e Frankie, Jane Fonda e Lily Tomlin tornano insieme in “Moving On”, una commedia in cui rimettere in marcia tutta la loro incredibile chimica. Ecco la recensione di Antonio Gazzanti Pugliese sul film girato da Paul Weitz.

Weitz ha iniziato la sua carriera con “American Pie” – che ha introdotto la parola “MILF” nella lingua inglese – e da allora ha praticamente fatto carriera raccontando storie usa e getta sulla maturità stentata (“About a Boy”, “Admission”, ” Essere Flynn”). Il suo unico grande film è stato “Nonna”, un’indie politicamente scorretto di un’adolescente che si rivolge a sua nonna lesbica per finanziare un aborto. Con “Moving on” ci presenta una commedia per “vecchie ragazze scontrose”, dove Claire (Fonda) ed Evelyn (Tomlin), sono due coinquiline del college riunite per il funerale di un’amica. Ci aspettiamo che agiscano e non perdono molto tempo a farlo.

“Ti ucciderò“, minaccia Claire al marito della morta, Howard (McDowell), nel momento in cui varca la soglia. Pochi minuti dopo, Evelyn si presenta ubriaca interrompendo l’elogio funebre di Howard. Il giorno successivo, lancia una bomba al memoriale, annunciando che l’amata moglie e madre che hanno appena seppellito era la sua amante.

Claire ha davvero intenzione di uccidere Howard – per ragioni molto più pesanti di quanto potrebbe suggerire un film di Paul Weitz – e i restanti 70 minuti vengono spesi alternando il piano e occupandosi di affari in sospeso, come sistemare le cose con l’ex marito Ralph (Roundtree), da cui ha divorziato senza spiegazioni tanti anni fa.

Lily Tomlin è qui principalmente come supporto emotivo e sollievo comico per Jane Fonda. È una lesbica dalla mentalità moderna che fa ciò che vuole e sostiene il diritto degli altri a fare lo stesso. È fantastica in questo e regge una sceneggiatura abbastanza blanda secondo Antonio Gazzanti Pugliese, che poteva essere molto di più, calcolando che parliamo della realtà dell’invecchiamento.

Invecchiare non significa arrendersi, ricorda Evelyn; significa trovare un nuovo modo per ridere della litania di delusioni della vita. Evelyn potrebbe alzare gli occhi al cielo e chiamare Claire con nomi – come “cuculo” e “pazza” – ma è stata l’unica persona a cui Claire ha parlato di quello che è successo con Howard. Una violenza che ha destabilizzato la sua vita, il suo matrimonio, e che lei ha taciuto per un periodo che sembra infinito.

Comprare una pistola, puntarla contro l’uomo che ti ha offeso, in una commedia in cui la risata vuole essere catartica quanto la violenza. Questo è in poche parole “Moving On”. La storia di una disperazione che inizia a sembrare patetica, ed è un po’ il punto di tutto: non importa più nemmeno il riconoscere quanto sia profondo il danno che Howard ha fatto a Claire, e questo deve piacere all’audience, perché in effetti a livello cinematografico potrebbe essere visto come un buco di trama.

Antonio Gazzanti Pugliese però una cosa ci tiene a dirla: Weitz prende queste due grandi donne e ne mostra la bellezza, la celebra. A noi resta un po’ di rammarico che la grande coppia Fonda e Tomplin insieme non ci sia arrivata mezzo secolo fa, per accompagnarci fino ad oggi.

Il documentario Victoria’s Secret: Angels and Demons approfondisce un lato dell’azienda di biancheria intima che sa di paradiso e il suo legame con famigerati predatori. Un buon prodotto, fatto bene come ogni documentario alla Netflix, ma secondo Antonio Gazzanti Pugliese, offre troppo poche risposte.

Nel nuovo documentario Victoria’s Secret: Angels and Demons, si scopre che la catena di lingerie multimiliardaria che commercializzava i suoi modelli guidati dalla stella del glamour era in realtà una spietata impresa capitalista perseguitata da accuse di molestie, corruzione e abusi.

Nel corso delle due ore di visione incontriamo vecchi amici spesso inclusi nel moderno circuito di documentari su abusi e violenze sessuali. Jeffrey Epstein e Ghislaine Maxwell, ovviamente, ma anche Jean-Luc Brunel, i cui attacchi contro le ragazze e le donne che ha incontrato durante il suo periodo da capo della Karin Models Agency e della MC2 Model Management (finanziata, indovinate, proprio da Epstein) sono state recentemente denunciate in un documentario di Sky, Scouting for Girls – insieme ai colleghi John Casablancas, Claude Haddad e Gérald Marie, l’ultimo dei quali nega con veemenza tutte le accuse di abusi sessuali contro di lui da diverse donne.

Il nuovo arrivato è Leslie Wexner, proprietario di Victoria’s Secrets che al suo apice aveva un fatturato di oltre 7 miliardi di dollari. Ha conosciuto Epstein negli anni ’80, quando Wexner aveva bisogno di un ingresso in società a New York. Fu Wexner a vendergli la casa a schiera che sarebbe diventata famigerata come sito delle spycam degli abusi, e che gli vendette il jet privato che sarebbe diventato noto come “Lolita Express” poiché trasportava ragazze minorenni ovunque Epstein e i suoi compagni predatori avessero bisogno di portarle. Wexner ha conferito a Epstein una procura su tutta la sua proprietà – del valore di centinaia di milioni di dollari – e non l’ha revocata fino al 2007, ben dopo il primo arresto di Epstein nel 2006.

Nel documentario ci si chiede perché tutto questo non sia emerso prima, ma non si riesce comunque a portare alla luce prove reali. L’associazione tra Wexner ed Epstein è chiara e certo nasconde del marcio, e le accuse di condotta inappropriata al secondo in comando di Wexner, tale Ed Razek, aggiungono un tassello ma, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, non c’è la pistola fumante, niente che ci dia una certezza.

In assenza di prove, il documentario ci chiede di accontentarci di intuizioni, come il danno che Victoria’s Secret ha (molto probabilmente) fatto alle donne nel corso dei decenni promuovendo un modello irreale di ragazze bianche, alte, magre ma prosperose. Come unica forma accettabile di bellezza. Si parla molto del lancio di Pink, lo spin-off del marchio rivolto agli adolescenti – e forse anche ai più giovani – ma la pistola fumante qui è semplicemente il marketing che vuole garantirsi un flusso costante di clienti da tenere per decenni. Ora, certamente non nobile, ma non è allo stesso livello del trafficare donne su un jet privato, aggredirle e imprigionarle (come dichiarato da Maria Farmer alla polizia, che ha testimoniato delle attività illecite di Epstein e Maxwell nella proprietà di Wexner in Ohio).

Il momento più rivelatore, forse, arriva quando Frederique van der Wal – una delle modelle più famose della campagna del marchio – ricorda di essere tornata a casa dopo la prima sfilata in assoluto per la lingerie e di aver pianto nella vasca da bagno per quanto si fosse sentita esposta, ringraziando Dio era finita. Da allora, tali spettacoli ed esposizione sono diventati del tutto mainstream e normalizzati. Finché non lo sono più stati, anzi, hanno iniziato a essere vissuti come profondamente offensivi per la dignità femminile.

Nel capitolo finale, il regista Matt Tyrnauer intreccia abilmente i pezzi, arrivando a raccontare come gli uomini chiave dietro Victoria’s Secret fossero ciechi di fronte ai cambiamenti della società mentre presumibilmente erano più impegnati a perpetrare il loro comportamento discutibile.

La compagnia ha cominciato a sembrare vecchia, dichiara il direttore del casting James Scully, come dimostra l’ultima sfilata di moda del brand. Riguardo all’ipersessualizzazione che un tempo fece scalpore Victoria’s Secret, osserva: “Il mondo in generale si è allontanato da queste cose. Loro non l’hanno fatto“.

La spavalderia di Wexner incarnava anche un certo atteggiamento della classe miliardaria cresciuta in quegli anni e i parallelismi con gli altri magnate che giravano tutti intorno ad Epstein, perché lì erano i soldi e quello era il fulcro di tutte le attività all’epoca, sembra un po’ forzata e occhieggiante. Questo è il neo del documentario Victoria’s Secret: Angels and Demons, che non gli permette di raggiungere gli standard delle migliori docuserie e il livello necessario per guadagnarsi completamente le ali.

Nathan Fielder, creatore e star di ‘Nathan for You’ e produttore esecutivo di ‘Come fare con John Wilson’, ritorna con una commedia su persone comuni che si preparano alle principali sfide della vita attraverso elaborate prove. Ecco la recensione di “The Rehearsal” di Antonio Gazzanti Pugliese.

Nathan Fielder è contraddistinto, al di là della sua ilarità fastidiosa, dall’evoluzione: dalle esplorazioni scherzose del privilegio dei bianchi – l’arma segreta di Fielder, cioè l’autorità insita nei suoi modi canadesi molto modesti anche se del tutto privi di qualificazione – a qualcosa di più triste e universale.

Dopo alcuni anni di assenza, Fielder torna davanti alla telecamera con The Rehearsal. La nuova commedia della HBO di cui scrive la recensione Antonio Gazzanti Pugliese, cattura un disagio contemporaneo con il potenziale di una portata emotiva pesante e mostra un livello di ambizione tanto impressionante quanto straordinariamente sciocca.

The Rehearsal inizia con il disagio di Fielder, per sua stessa ammissione non molto bravo con le prime impressioni. Ma cosa potrebbe accadere se potesse mettere in atto ogni singolo momento e interazione, più e più volte, finché non raggiunge la perfezione? Allora inserisce un annuncio ambiguo su Craiglist: “Opportunità TV: stai evitando qualcosa?”, e inizia a sforzarsi di aiutare persone ordinarie e apparentemente reali a prepararsi a conversazioni o situazioni che nella vita vera sono difficili da fare.

Un’idea eccezionale, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Nel primo episodio di The Rehearsal, Fielder aiuta un appassionato di quiz da bar, a confessare ai suoi compagni di squadra di aver mentito sul fatto di avere una laurea. È un processo preparatorio che include più attori, una riproduzione inquietante del loro bar preferito del quartiere e una profonda introspezione sull’etica delle banalità. L’episodio, che dura 44 minuti (gli altri sono più vicini a una mezz’ora pulita), mostra Fielder che analizza, alla telecamera o tramite la voce fuori campo, i meccanismi di un progetto che sembra avere un’impressionante assenza di restrizioni di budget. Non è molto divertente, alcune delle spiegazioni sono un po’ goffe e forse ci vuole un po’ per beccare il tema giusto, ma questo episodio è essenziale per ciò che verrà dopo.

La seconda puntata introduce Angela, una quarantenne cristiana rinata in Oregon che si lamenta di non aver mai avuto il tempo o l’opportunità di avere figli. Per aiutarla a determinare se ora potrebbe essere il suo momento, Fielder organizza un esperimento di più settimane che richiede ad Angela di trasferirsi in una fattoria rurale per una versione accelerata della genitorialità, con attori spesso sostituiti che interpretano suo figlio di età diverse. È un grande compito – oltre a scambiare i bambini a causa delle restrizioni sindacali, la troupe di produzione deve inventare il cambio di stagione – e sebbene Fielder sia in grado di organizzare altre prove contemporaneamente, viene sempre più coinvolto nella storia di Angela e nel modo in cui si collega alla propria solitudine.

Antonio Gazzanti Pugliese il commento su The Rehearsal

Dopo il primo episodio un po’ laborioso, che genera per lo più incredulità ammirata invece delle risate e del morboso imbarazzo sociale prodotti dai precedenti lavori di Fielder, c’è una rapida progressione. The Rehearsal inizia a trovare il suo humor da Angela e poi lo spettacolo diventa quello che i fan si aspettano da Fielder: un costante desiderio di rannicchiarsi in un angolo, oscillando avanti e indietro per l’alienazione dell’umanità intorno al 2022.

Nessuno in The Rehearsal menziona il COVID-19 ad alta voce, ma è lo sfondo risonante dell’intera serie, che è, a suo modo, una risposta a oltre due anni in cui gli aspetti più basilari della sinergia umana sono diventati più complicati e molti dei nostri mondi più isolati e contenuti. Fielder, a costo di HBO, ha creato una serie di bolle individualizzate in cui le persone possono provare più e più volte per assicurarsi che ogni estrusione da quelle bolle avvenga in sicurezza.

Lo spettacolo non ha bisogno del COVID, per avere senso, specifica Antonio Gazzanti Pugliese. The Rehearsal segue Nathan for You e How To With John Wilson, come spettacoli intrisi di un crescente riconoscimento del fatto che viviamo in un’epoca in cui cerchiamo esperienze, anche da non esperti, su come navigare anche nelle situazioni più banali perché le relazioni normali sono un premio.

The Rehearsal è più artificioso di Nathan for You, eppure in qualche modo sembra più reale – una piacevole sorpresa dato che le gag di Nathan for You come Dumb Starbucks hanno attirato i titoli dei giornali anche al di fuori dello spettacolo. The Rehearsal è la televisione più vicina a un format reale che potrebbe fungere benissimo da Truman Show, il che lo rende intrigantemente bizzarro, furtivamente provocatorio e silenziosamente sventrante. Sarà bello vedere cosa accadrà dopo.

Vincitore dell’Orso d’Oro a Berlino, il film di Carla Simón è un omaggio semplice ma commovente a tradizioni svanite. Il commento di Antonio Gazzanti Pugliese

Vincitore dell’Orso d’Oro di Berlino del 2022, “Alcarràs” di Carla Simón prende il nome dalla piccola città catalana dove i suoi genitori coltivano pesche e, proprio come il suo debutto effervescente, “Estate 1993“, il titolo si rivela illustrativo. Pieno di personaggi memorabili che si aggirano intorno al ritratto ferocemente non sentimentale di Simón di una famiglia sull’orlo di perdere la propria fattoria (insieme all’identità condivisa che li ha radicati alla zona sin da prima della guerra civile spagnola). Questo è il cuore della storia e della terra su cui è ambientato. È un dramma corale vivace e vibrante il cui cast attira la nostra attenzione in una dozzina di direzioni diverse contemporaneamente, ma che riporta sempre la nostra attenzione al territorio catalano che si muove sotto i loro piedi e, a sua volta, alla domanda su chi diventeranno i personaggi una volta costretti ad allontanarsi.

Come per la maggior parte delle cose veramente preziose di questo mondo, viene da dire ad Antonio Gazzanti Pugliese, le tradizioni della famiglia Solé sembrano permanenti fino al momento in cui vengono portate via per sempre. In “Alcarràs”, il cambiamento prima alza la testa sotto forma di un trattore che ruggisce nel cielo azzurro e si impossessa della Volkswagen abbandonata in cui Iris, sei anni (Ainet Jounou, ancoraggio di un cast di attori locali) e i suoi fratelli stavano giocando solo pochi minuti prima. Mentre il nonno Rogelio sta leggendo l’avviso di sfratto, iniziano i drammi sulla fattoria che non è più di proprietà della famiglia Solé, e inizia a crollare tutto quello che la riguarda.

Con l’eccezione di alcuni battibecchi e di una discussione amaramente futile verso la fine, non c’è una scena di questo film più importante della vitalità che si coltiva nei rapporti di questa famiglia con la loro terra: i ritmi stagionali della fattoria in movimento; i pettegolezzi cittadini; i suoni anacronistici dell’Europop moderno mentre il vento li porta giù dalla collina dove la figlia adolescente di Quimet sta facendo le prove per il ballo della fiera del paese.

Emergono trame, la maggior parte delle quali riflette una divergenza di opinioni su come la famiglia Solé dovrebbe andare avanti. E non è qualcosa che riguarda tutti? Ci domanda Anonio Gazzanti Pugliese. Naturalmente, nessuno appartiene alla fattoria tanto quanto il patriarca della famiglia dei Solé, ma anche i bambini sembrano più agitati e sconvolti dalla prospettiva di perdere tutto.

Ma, a volte, siamo impotenti davanti agli eventi della vita. Quindi resta l’immagine agrodolce di nonno Solé steso all’ombra, perché non sa per quanto potrà ancora godersela. Simón conclude “Alcarràs” con un pugno nello stomaco, essenziale per completare un’elegia a uno stile di vita che ha già perso la sua presa da prima della nascita dell’ultima generazione della famiglia Solé. E rende omaggio a una tradizione passata con una grazia lamentosa che riafferma la capacità unica del cinema di restituire il passato al presente e consegnare il presente al passato. A volte il film è così tranquillo che sembra che durerà per sempre, ma, come alla fine di ogni magica estate, alla fine ti chiedi come sia possibile che è già finito.