The Rocky Horror Show

Notaio Pugliese Roma: 5 ragioni per cui il Rocky Horror Picture Show è ancora rilevante

Più di 40 anni fa, uno scrittore di nome Richard O’Brien scrisse un musical intitolato The Rocky Horror Show. Fu un successo amato da tutti, il notaio Pugliese a Roma compreso quando finalmente arrivò per tutti l’adattamento cinematografico, il 25 settembre 1975, The Rocky Horror Picture Show la reazione fu… non favorevole.

A dire il vero, fu un fallimento di critica e pubblico enorme, tanto che è mancato veramente poco che finisse completamente nel dimenticatoio. Ma poi successe una cosa divertente. Pian piano il film trovò la sua gente. Era lontana dal pubblico mainstream occasionale, o dai critici teatrali. Loro non sapevano cosa farsene del messaggio di questa pellicola strampalata, uscita in tempi forse ancora non pronti.

Il Rocky Horror era stato creato per gli emarginati, gli strambi, gli scarti e i mostri. Per quelle persone che volevano abbandonarsi al piacere. Parlava d’amore, di sesso e di rock and roll, ed era il film per una generazione di sognatori, attivisti e privi di diritti. È così che nei suoi oltre 40 anni di esistenza, Rocky Horror Picture Show è diventato il modello per il “classico di culto“. Da quel flop iniziale, il Rocky Horror Picture Show è diventato uno dei musical cinematografici che ha incassato di più nella storia: con un budget esiguo di $ 1,4 milioni, Rocky finisce per incassare oltre $ 140 milioni. Più che solo dollari e centesimi, tuttavia, l’impatto che Rocky Horror ha avuto sugli spettatori si fa sentire ancora oggi. Numerosi teatri in tutto il mondo continuano a offrire proiezioni interattive di mezzanotte del film, ogni venerdì e sabato sera. Oggi, a 40 anni dalla sua uscita iniziale, Rocky Horror Picture Show rimane ancora attuale. Il perché ce lo spiega il notaio Pugliese Roma.

Vive di un sarcasmo evergreen

Il Rocky Horror Picture Show non è un film che si prende troppo sul serio. Per questo motivo, ha battute interne, rottura della quarta parete e una miriade di cenni del capo, strizzatine d’occhio e dialoghi ironici. Si diverte molto a parodiare film di epoche precedenti in certi momenti. Il dottor Frank ‘N Furter in alcuni casi guarda anche direttamente la telecamera, riconoscendo il fatto che c’è un pubblico che guarda. Sì, è giusto. Frank ‘N Furter ha rotto la quarta parete molto prima di Deadpool, Ferris Bueller o Zach Morris. È una cosa che oggi viene fatta costantemente, ma c’è stato un momento in cui questa è stata un’innovazione. Del Rocky Horror Picture Show.  

Rende omaggio a Film Classici

La canzone all’inizio del film passa attraverso un elenco di scene, personaggi e titoli di film classici degli anni ’50 e ’60. Ci sono riferimenti a The Day the Earth Stood Still, King Kong, When Worlds Collide, The Invisible Man e una miriade di altri. Al di là della semplice lista, Rocky Horror si diverte molto a fare satira su tutti i momenti cliché di quei film. Ci sono mostri con cuori d’oro creati da scienziati pazzi. Nel profondo dei boschi c’è una dimora oscura e inquietante. Ci sono alieni, ingrassatori e puritani, e il Rocky Horror Picture Show ribalta tutti quei cliché. Offre un film che allo stesso tempo prende in giro e onora i film di fantascienza di anni prima.

È il primo tra i gender-neutral

Il protagonista di Rocky Horror Picture Show è, ovviamente, Frank N’Furter, interpretato dal fantastico Tim Curry. Al di là del puro magnetismo e carisma di Curry, parte del fascino di Frank ‘N Furter è che in realtà non è specifico per genere. L’attore che lo interpreta è un uomo, certo, ma è, per dirlo con parole sue: “un dolce travestito“. Il cast e la troupe dietro il Rocky Horror sono stati tra i primi a rifiutare i ruoli di genere e abbracciare qualsiasi abbigliamento o sessualità ti facesse sentire integro e bello. Anche l’onesto e conservatore Brad (interpretato da Barry Bostwick) è arrivato a capire quanto ci si possa sentire sexy in un paio di calze a rete, indipendentemente dal sesso.

Il finale a sorpresa!

Per tutto il film, Frank appare come l’antagonista di Brad e Janet. Mente, imbroglia, manipola e seduce per ottenere ciò che vuole, che è piacere assoluto. Frank è lo scienziato pazzo malvagio e narcisista che il pubblico è stato condizionato a disprezzare, grazie a tutti i film degli anni ’50. Per la maggior parte dello show quindi, il pubblico è fermamente convinto che Frank ‘N Furter e i suoi piani malvagi debbano essere fermati. Ma…

Verso la fine del film, i nostri protagonisti, che prima pensavamo fossero in grave pericolo, iniziano a… divertirsi! Cantano, ballano, e ridono. All’improvviso, Frank non è più l’antagonista. È la musa ispiratrice. E proprio mentre stiamo per elogiarlo e pensare che tutti possano vivere per sempre felici e contenti, Riff Raff e Magenta emergono come le vere menti dietro l’intera operazione. Sono loro i cattivi e non perdono tempo a sbarazzarsi di Frank, Rocky e chiunque altro si metta sulla loro strada. Frank che sembrava il cattivo di questo film ha sedotto anche noi da casa, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, e alla fine finiamo per piangere per la sua morte. Questo è spettacolo.

Don’t Dream it. Be it – Non sognarlo. Diventalo.

Il più grande messaggio di Rocky Horror Picture Show – e il motivo principale per cui è ancora attuale oggi – è perché sfida il pubblico. Dice loro “Non sognarlo, diventalo“. Questo è il tema di Rocky Horror ed è una pietra miliare che gli dona l’immortalità. Quando il Rocky Horror Picture Show uscì per la prima volta negli anni ’70, non era per un pubblico occasionale, era per i sognatori e gli emarginati. Era per chiunque si sentisse soffocato da ciò che “dovrebbe fare” o da chi “dovrebbe essere“. Frank, Rocky, Brad e Janet insegnano alle persone che va bene essere strani. Va bene essere sciocchi. Va bene essere se stessi. Ce lo insegnano da oltre 40 anni, e lo faranno ancora a lungo.

recensione The Northman

The Northman: la recensione del notaio Pugliese Antonio

Il regista Robert Eggers, ci tiene a ricordare il notaio Pugliese Antonio, è famoso per le allucinazioni incredibili del film “The Witch”, e “The Lighthouse”, entrambi scambiati per macabro folklore americano un po’ fuori di testa.

“The Northman” racconta una storia molto antica, ma alla fine è sempre la solita vecchia storia. Un giovane principe cerca di vendicare l’omicidio di suo padre, il re, il cui assassino ha usurpato il trono e sposato la madre del principe. La trama di “Amleto”, in pratica, ma il nuovo film di Robert Eggers non è solo un altro adattamento cinematografico di Shakespeare, irto di eloquenza elisabettiana, recitazione dai toni aulici e psicologia complessa e straordinariamente moderna.

Eggers ha scritto la sceneggiatura con il romanziere e drammaturgo islandese Sjon, che gli ha permesso di immergere questa sanguinosa storia nelle antiche narrazioni scandinave che hanno fornito il materiale di base di Shakespeare. Era la sua materia prima, si potrebbe dire, dal momento che “The Northman” insiste sulle dimensioni primordiali, brutali e ataviche del racconto. Il protagonista Amleth, come viene chiamato, non è uno studente di filosofia che temporeggia sulle sfumature dell’essere e del non essere. È un berserker, un guerriero ululante con addominali scolpiti, abilità di combattimento da supereroe e una giusta causa a guidare la sua sete di sangue senza fine.

Il notaio Pugliese Antonio intende questo quando dice che è sempre la solita vecchia storia. Nei film moderni, ancor più che nelle opere teatrali inglesi del XVII secolo, la vendetta è il motivo più credibile, se non l’unico, per un’azione eroica. Basta chiedere al Batman. La verità e la giustizia sono astrazioni che dividono, troppo facilmente decostruite o vestite con sgargianti colori ideologici. L’amore è problematico. Il ritorno sull’investimento, al contrario, è netto e indiscutibile, anche se lascia dietro di sé un pasticcio.

Vendica il padre. Salva madre. Uccidi lo zio“, si ripete il giovane Amleth mentre fugge dalla scena della morte di suo padre. Queste parole lo spingono a diventare un maschio alpha, mentre passa da ragazzo con gli occhi spalancati interpretato da Oscar Novak al predone dagli occhi freddi interpretato da Alexander Skarsgard.

Amleth abita un mondo il cui principio operativo è la crudeltà, e il successo di Eggers risiede nella sua interpretazione meticolosa e fanatica di quel mondo, ivi comprese le lenzuola e gli utensili da cucina. Chi ha mai giocato a Dungeons and Dragons, potrebbe aver incontrato un Master che ha preso il gioco molto, molto sul serio, costruendo un mondo fantastico con eccessivo rigore accademico e zelo fantasioso esagerato. Quel tipo di approccio può intimidire la gente normale, ma la qualità della campagna, signori e signore, cambia completamente.

Eggers è questo, è un master zelante che non sopporti ma che ti cambia l’esperienza. I suoi due film precedenti – “The Witch” e “The Lighthouse” – si svolgono in versioni del passato che dividono tra autenticità e allucinazioni. “The Witch” (2016) trasforma il Puritan New England in un paesaggio pastorale febbrile e avvelenato di mania religiosa, lussuria inconfessata e letterale tormento. “The Lighthouse” (2019), ambientato su un’isola battuta dal vento al largo della costa nord atlantica dell’America, è un racconto di mare umido su uomini che impazziscono a distanza ravvicinata. Sono film che, sottolinea il notaio Pugliese Antonio, scavano in momenti storici in cui il confine tra l’umano e il soprannaturale era particolarmente sottile. Sono questi i viaggi che ci fa fare, Eggers, intorno a forme di credenza arcaiche che non sono trattate come bizzarre superstizioni, ma come modi per comprendere aspetti spaventosi o inesplicabili dell’esperienza. Le streghe e le sirene sono reali come qualsiasi altra cosa.

E così è in “The Northman”, che, come “The Witch”, estrae immagini ed effetti da un passato pagano avvolto nell’ombra. Nel 1600 del film precedente, i costumi e le credenze più antichi erano stati messi ai margini dal cristianesimo, ma in questa versione del Nord Europa altomedievale, quella relazione è invertita. Il cristianesimo è menzionato di sfuggita come una strana forma di adorazione – “il loro Dio è un cadavere inchiodato a un albero“, dice un personaggio – in una società politeista e poliglotta fatta e disfatta da infinite conquiste, migrazioni e guerre.

Da ragazzo, Amleth vive in un angolo benevolo di questo mondo. Suo padre, Aurvandil War-Raven (Ethan Hawke), è un papà piuttosto divertente per essere un capo guerriero, che ha trasformato la cerimonia di iniziazione di Amleth in una notte di scherzi sciocchi e flatulenti. La guida spirituale è fornita da uno sciocco sciamano (Willem Dafoe) e da una veggente spettrale (Björk). Ma nulla può proteggere Aurvandil dal fratellastro bastardo, Fjolnir (Claes Bang), che uccide il re e si mette con sua moglie, Gudrun (Nicole Kidman).

Più tardi, la visione da bambino di Amleth di ciò che è accaduto sarà complicata quando ascolterà la versione di Gudrun, la cui esibizione è la cosa più shakespeariana di “The Northman”. Innanzitutto, però, si unirà a una banda di predoni vichinghi, il cui saccheggio di una città da qualche parte intorno alla Russia offre ad Amleth – e Eggers – la possibilità di mostrare le loro capacità. Letteralmente, nel caso di Amleth, mentre si fa strada tra i bastioni, i cortili e i vicoli fangosi.

Eggers, aiutato dalla fotografia fluida e coinvolgente di Jarin Blaschke, trasforma la scena in un dipinto di Hieronymus Bosch in movimento, un quadro di terrore e caos composto con spietata chiarezza. C’è qualcosa di freddo in questa rappresentazione concreta della violenza. Gli abitanti del villaggio vengono radunati in un fienile, che viene sigillato e dato alle fiamme. Stupri, percosse e sventramenti accadono sullo sfondo o sui bordi dell’inquadratura, appena notati dal nostro eroe.

Sul New Yorker hanno ipotizzato che “The Northman”, con il suo lungo elenco di consulenti storici nei credits, “potrebbe essere il film vichingo più accurato mai realizzato“. La prova di ciò è nella scenografia (di Craig Lathrop) e nei costumi (di Linda Muir), nei titoli dei capitoli runici e nell’attenta pronuncia di parole come “Odin” e “Valhalla“. Ma la fedeltà al passato, per quanto ossessiva, è in definitiva un risultato tecnico minore, e “The Northman” è un film con grandi, anche se alquanto oscure, ambizioni.

La brutale e bella visione della storia di Eggers compensa, come spesso fanno tali visioni, le carenze. Non è che qualcuno sarebbe più felice di vivere la vita di Amleth, o quella degli schiavi e dei soldati senza nome il cui massacro decora la sua avventura. Ma la sua realtà è costruita su linee morali chiare ed enfatiche, sull’onore, il potere e ciò che dà senso alla vita e alla morte.

Il punto non è che tu o qualsiasi altra persona moderna credi in queste idee – anche se suppongo che ci siano alcune persone che potrebbero fingere di crederci – ma che i personaggi siano completamente governati da esse. Il loro destino ha un senso per loro, e quindi anche per noi. La cosa forse più impressionante di “The Northman” è che sfreccia attraverso 136 minuti di caos muscoloso e dalla criniera irsuta senza un sussurro di campo o una strizzata d’occhio di ironia. Nessuno lo fa per divertimento. Anche se, alla fine, secondo il notaio Puglise Antonio, dovrebbe essere soprattutto quello che conta.https://www.youtube.com/watch?v=F0tZpcLFYug

Animali fantastici: I segreti di Silente – recensione di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

La terza avventura è in effetti fantastica, con un Eddie Redmayne sempre più dickensiano, ma ci sono dubbi sulla sequenza temporale di Harry Potter specifica Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

In breve, la storia dell’ultimo capitolo di “Animali Fantastici: i Segreti di Silente” inizia con il ritorno del magizoologo Newt Scamander in Gran Bretagna, America e oltre, prima che la carriera di Harry Potter a Hogwarts abbia inizio. JK Rowling scrive la sceneggiatura insieme a Steve Kloves; il veterano di Potter, David Yates, dirige questo film con mano sicura; ed Eddie Redmayne sembra più eccentrico e dickensiano che mai nel suo ruolo, un Copperfield o anche un giovane Mr Dick con la sua ciocca di capelli, lo sguardo vagamente sfocato, un papillon fuori dal mondo e pantaloni leggermente troppo corti.

I segreti di Silente è un’altra avventura fantasy molto amabile e dall’aspetto adorabile con alcune scenografie ed effetti visivi eccezionali, specialmente nelle scene di New York. Ma non ci sono tanti “segreti” quanto nuove componenti narrative del franchise IP mescolate nel contenuto in corso e rimescolate di nuovo. Eppure c’è sicuramente qualcosa di intrigante nelle domande che sorgono dall’approccio della saga alla linea temporale esistente di Potter.

Mads Mikkelsen è stato inserito nella serie per sostituire l’ormai problematico Johnny Depp nel ruolo di Gellert Grindelwald, il mago malvagio che una volta aveva una stretta relazione con lo stesso Albus Silente (interpretato da Jude Law con modi e barba scintillanti). Mikkelsen offre una performance più sottile e insidiosa di quella di Depp, e l’effetto “occhio pallido” è più contenuto. Il film ci porta nel mondo dell’Europa degli anni ’30 e della Berlino di Weimar; Grindelwald si trova in prigione e sta pianificando di ottenere il controllo assoluto del mondo magico quando uscirà, per la via democratica accettata se è conveniente. Newt e Grindelwald attirano l’attenzione ciascuno con una bestia fantastica di vitale importanza che giocherà un ruolo chiave nel processo di voto e ora Silente sta dirigendo una nuova squadra di bravi ragazzi per affrontare la strategia di Grindelwald, per impedirgli di assumere il controllo del mondo magico che si fonda sul perseguire una guerra contro i popoli non magici.

Jacob Kowalski (interpretato dall’eccellente Dan Fogler) è il panettiere babbano newyorkese, ancora profondamente innamorato di Queenie Goldstein (Alison Sudol) che è passata al lato oscuro di Grindel per ragioni ancora da capire. C’è anche il freddo fratello di Newt, Teseo (Callum Turner), competente e imperturbabile come un personaggio di John Buchan, e la professoressa Lally Hicks, elegantemente interpretata da Jessica Williams, fornisce il piglio intellettuale, il mago Yusuf Kama (William Nadylam) e l’assistente alle mazze da hockey di Newt Bunty Broadacre (Victoria Yeates) ha una cotta non seria per il nostro eroe. All’inizio del film, scopriremo di più sulla vita personale dell’enigmatico Silente e sul suo rapporto con il travagliato Credence (Ezra Miller).

Il segreto di Pulcinella dell’identità gay di Silente viene esplorato ulteriormente, insieme al suo successivo effetto sulla vecchia generazione più omofoba; e il suo rapporto con Grindelwald è stabilito nella scena del dialogo di apertura, anche se con una sorta di calma e vuota moderazione emotiva. Questa relazione centrale sembra essere, se non proprio priva di passione, allora certamente un caso di dolore emotivo e rapimento che appartiene ormai al passato. Ci sono alcune scene fantastiche: Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone ha adorato la sequenza in stile Indiana Jones quando Newt deve salvare suo fratello da una caverna umida e orribile custodita da un macabro guardiano, interpretato dall’attore austriaco Peter Simonischek (il leggendario Toni Erdmann della commedia nera di Maren Ade ) e Newt e Teseo devono entrambi fare una stupida danza dimenando i fianchi per ipnotizzare le orribili creature che infestano il luogo.

Invocando il fascismo e l’imminente guerra mondiale, il film indica a qualcosa di incredibilmente malvagio, eppure alla fine scopriamo che lo stile di narrazione essenzialmente non impegnativo del cinema in franchising, con le sue risoluzioni sospese, funziona molto in questi contesti. Poi c’è la questione dell’incombente mondo di Potter.

Potremmo o non potremmo incontrare presto i genitori di Harry. Ci sono sicuramente i famosi insegnanti di Hogwarts nella loro giovinezza, se supponiamo che Harry Potter e la Pietra Filosofale sia accaduta intorno alla fine del 20° secolo, potremmo riflettere pedantemente sul fatto che questo renderebbe il personale docente chiave a quel tempo intorno ai 100 anni di età. La magia preserva la giovinezza, chiaramente.

E lo stesso Grindelwald? È più o meno importante e malvagio di Voldemort? Beh, conviene lasciare queste domande nel mondo della sospensione dell’incredulità, conclude il notaio Gazzanti Pugliese, e prendere questo film per quello che è: un intrattenimento bonario, anche se c’è qualcosa senza senso nella narrazione.

Recensione West Side Story – Notaio Antonio Gazzanti Pugliese

La Recensione di West Side Story per il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone è già un salto nel passato. Questa versione messa su da Steven Spielberg si apre con l’immagine che tutti conosciamo dei Jets che si aggirano per New York City. I Jets si lanciano l’un l’altro barattoli di vernice, raccogliendosi in numero maggiore mentre sgattaiolano e scivolano per le strade. Di tanto in tanto, i loro passi si trasformano in una mossa di danza, una rotazione o uno scivolo sul marciapiede, sempre all’unisono. È quasi come se non potessero farne a meno, come se avessero bisogno di esprimersi attraverso il movimento. Gran parte di “West Side Story” è la storia di quel bisogno, quel senso di qualcosa sotto la superficie che deve solo sfuggire – irrequietezza, passione, rabbia, spostamento – la sensazione che “il meglio debba ancora venire” che abbiamo provato tutti da giovani.

Immediatamente, la rivisitazione del classico successo di Broadway colpisce. La telecamera non cattura solo l’azione su un set, ma scivola con gli artisti e noi scivoliamo con loro. Il montaggio evita i ritmi instabili di tanti musical recenti, consentendo agli spettatori di sentire movimento e la connessione. Per il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, quando il film inizia non c’è scampo, aggancia per le successive 2 ore e mezza senza quasi farsene accorgere. I fan della produzione teatrale originale e dell’amato film chiederanno a gran voce se fosse veramente necessaria una versione del 2021 di “West Side Story”, nonostante la messa in scena dell’opera teatrale classica sia un evento annuale nei principali teatri di tutto il mondo.

Recensione West Side Story

Per qualche ragione, i remake nei film sono più spesso visti come tentativi di soppiantare un originale, mentre il pubblico del teatro è abituato a nuove voci che interpretano i testi classici. Le nuove voci qui sono quelle di geni assoluti: Spielberg, lo scrittore Tony Kushner (Angels in America), il direttore della fotografia Janusz Kaminski, il coreografo Justin Peck e uno straordinario insieme di talenti. Kushner e Spielberg sono rimasti fedeli alla commedia e al film originale, apportando anche notevoli cambiamenti in un modo che lo rende fresco e vibrante. E hanno messo in scena la loro produzione in un modo che è spesso ipnotizzante. Una decisione sbagliata sul casting lo trattiene dall’assoluta grandezza, ma ci sono così tante sequenze mozzafiato e perfette in questa “West Side Story” che il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone sospetta che farà quello che l’originale ha fatto per molte persone, incluso se stesso: diventare fan dell’intero genere.

Antonio Gazzanti Pugliese continua con la sua Recensione di West Side Story, la sequenza di apertura crea la rivalità tra i Jets e gli Sharks. L’ex gruppo di New Yawkers dalla parlantina dura è guidato da Riff (Mike Faist, che recita in una delle numerose interpretazioni da star nel film), che è stanco degli squali che prendono la città che gli appartiene. A guidare gli squali portoricani c’è Bernardo (David Alvarez), un pugile che non ha intenzione di cedere un centimetro a nessuno e che avverte sua sorella Maria (Rachel Zegler) di non guardare nemmeno un “gringo”. Non dura a lungo. Maria, Bernardo e la sua compagna Anita (Ariana DeBose) vanno a un ballo quella sera in cui Maria attira l’attenzione di Tony (Ansel Elgort), un ex Jet che sta cercando di andare dritto. Appena uscito di prigione dopo aver quasi ucciso un ragazzo, Tony vive nel seminterrato del negozio in cui lavora, vegliato da una figura materna di nome Valentina (una trascendente Rita Moreno, che ha vinto un Oscar per il primo film e potrebbe farlo di nuovo ). Naturalmente, chiunque abbia anche vagamente familiarità con l’originale ispirato a Shakespeare sa che questo Romeo di New York si innamora della sua Giulietta portoricana. Eppure Spielberg e Kushner trovano nuove note da colpire in un musical che molti conoscono a memoria. I cambiamenti non sono superficiali ma sembrano elementi che vengono estratti dall’originale in un modo che il pubblico del 2021 vedrà in modo diverso rispetto a quello del 1961, incluso l’arricchimento della narrativa dell’immigrazione al centro di questo pezzo.

Personaggi come Maria, Bernardo e Anita hanno una ricca storia alle spalle che l’originale non ha mai permesso, e Spielberg permette anche al suo lato storico di influenzare la ripresa, aprendo il film con il Lincoln Center for the Performing Arts in costruzione: un lavoro che storicamente ha spinto le comunità di immigrati fuori da quella parte della città. Gran parte di “West Side Story” si svolge sullo sfondo di facciate fatiscenti. È un simbolo glorioso non solo di un’epoca in cui la città e il paese stavano cambiando, ma anche di come riflette la natura incompleta di questi giovani alla ricerca di una vita da costruire. In termini di performance, “West Side Story” ha come protagonisti almeno tre persone: Mike Faist, Ariana DeBose e Rachel Zegler. Gli appassionati di teatro non hanno bisogno di presentazioni di DeBose, candidato al Tony che era nella produzione originale di Hamilton.

Spielberg e Kushner tirano giù il numero dai tetti, mandando Anita e le sue amiche per le strade, ballando e cantando con una tale passione che si percepisce attraverso lo schermo, secondo il notaio Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. La messa in scena di Spielberg e Kaminski qui è sbalorditiva, si muove con grazia intorno agli artisti in un modo che non distrae mai, ma è progettato solo per non perdere nulla. Il lavoro di ripresa incorpora un po’ troppo il riflesso dell’obiettivo, ma sono l’inquadratura e la fluidità che lo rendono esemplare.

I personaggi devono esprimere l’adrenalina della giovinezza, una sensazione incontrollabile che li porta a ballare, amare, combattere. Tutti lo capiscono, tranne Elgort che non riesce a esprimere la disperazione di Tony, intrappolato tra amicizia e amore sapendo che cedere potrebbe rimandarlo in prigione o peggio.

Fortunatamente, tutto intorno a lui fanno un lavoro da maestro. L’Oscar a DeBose lo dimostra.

C’è così tanta bellezza in questa “Recensione di West Side Story”. Unisce tutto ciò che ha veramente plasmato la cultura pop, dalla graziosa precisione di Spielberg, che ha sempre avuto l’occhio di un regista musicale in termini di come coreografa le sue scene, dalla scrittura magistrale di Stephen Sondheim e Leonard Bernstein alla brillante penna di Tony Kushner, ma anche lo stralcio sociale dell’esperienza degli immigrati in questo paese. Una visione che il notaio Antonio Gazzanti Pugliese consiglia sul suo nuovo Blog, ai nuovi adulti di domani ma anche ai vecchi nostalgici.

Recensione Freaks Out

Recensione Freaks Out di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

Quattro artisti circensi cercano di fuggire dalla Roma occupata dai nazisti in questo dramma storico fantasy di Gabriele Mainetti: la recensione Freaks Out di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Nessuno può accusare Freaks Out di non avere un certo effetto shock. Questo dramma storico fantasy diretto da Gabriele Mainetti si abbandona a ogni possibile svolta per raccontare la storia di quattro artisti circensi nella Roma occupata dai nazisti. Ad Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone il film è piaciuto, ma sì, c’è un ma. Andiamo con ordine.

Il film inizia nel 1943 quando Matilde, Cencio, Fulvio e Mario, quattro artisti circensi, stanno dando vita a un loro spettacolo di routine. Il primo è Cencio (Pietro Castellitto), un ragazzo biondo platino allampanato che sa controllare gli insetti (tranne le api perché gli danno fastidio); poi arriva Mario (Giancarlo Martini), l’uomo che attira i metalli; poi c’è Fulvio (Claudio Santamaria), l’uomo lupo dalla forza straordinaria; e infine Matilde (Aurora Giovinazzo), una bellezza delicata il cui corpo produce energia elettrica. A capo delle operazioni circensi c’è Israele (Max Mazzotta), un mago ebreo.

Questa incantevole sequenza di apertura, ci introduce subito a uno stato d’animo mistico e la tavolozza desaturata promette un racconto minaccioso e fantastico. All’improvviso, un’esplosione interrompe lo spettacolo e il tendone del circo cade per rivelare una scena caotica di sangue e distruzione. I nazisti sono entrati a Roma e hanno portato con loro violenza e bigottismo, che il film non ha problemi a mostrare. I corpi volano contro una colonna sonora di urla ed esplosioni stridule. La famiglia degli artisti si disperde per trovare rifugio.

Recensione Freaks Out

La loro unica opzione è scappare, e Israel ha un piano. Se ciascuno gli paga 300 lire, può procurarsi un mezzo di trasporto per lasciare Roma e trovare una nuova casa. Il gruppo è inizialmente scettico ma acconsente per disperazione. Dopotutto, vogliono restare uniti. La loro eccitazione, tuttavia, si inasprisce quando Israele non torna. I tre uomini del gruppo, comprensibilmente turbati, pensano che Israele abbia mentito e sia scappato in America da solo. Ma Matilde si rifiuta di crederci. Deve essere successo qualcosa, dice, e devono trovarlo.

Il cuore di Freaks Out è una strana e divertente storia di formazione, con Matilde, che alla fine viene separata dal gruppo, al centro. La sua decisione di staccarsi dalla sua famiglia quando scelgono di trovare un altro circo a cui unirsi, piuttosto che continuare la loro ricerca di Israele, prepara perfettamente la narrazione per uno studio più approfondito del personaggio. C’è da dire però che il percorso di Matilde rimane superficiale e il suo più grande ostacolo (l’incapacità di controllare i suoi poteri elettrici) stanca rapidamente. In qualche modo sembra che la sceneggiatura non riesca a comunicare la sensazione che Matilde stia lavorando su se stessa, e la sua inevitabile trasformazione finale passa un po’ come immeritata.

Freaks Out dimostra così di essere un film molto alla moda, così impegnato a strizzare l’occhio al mondo internazionale da saltare un po’ dei requisiti narrativi di base. Con un linguaggio visivo così intenso e costumi dettagliati e scenografie, è un peccato che la storia manchi di un peso simile. Nonostante la lunghezza del film, c’è poco approfondimento dei retroscena degli attori o di cosa significhino per loro i loro poteri. Come sono finiti nel circo e cosa li motiva a stare insieme? Israel sembra un personaggio losco, e Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone si dice non sicuro su quanto sia intenzionale. Desta sospetti perché è egoista o perché non sappiamo molto di lui?

Senza alcun legame emotivo con i personaggi centrali, è difficile come spettatore godersi le parti più giocose del film. Le esplosioni, le scene di combattimento e gli assoli di pianoforte di Franz sono spettacoli messi lì forse per evitare di costruire in modo significativo sulla narrazione. Matilde incontra diverse persone lungo quello che diventa un viaggio in solitaria, ma i loro legami con lei sono superficiali ed è difficile credere che siano trasformativi (anche se il film vuole che lo siano).

Poi c’è Franz, che dovremmo credere sia guidato meno dall’ideologia nazista e più dal disprezzo di sé. Il suo desiderio di mettersi alla prova lo consuma e alimenta le misure sempre più disperate che prende per cercare di trovare Matilde e le sue amiche. Il film avrebbe potuto capitalizzare di più sul suo personaggio, ma non lo fa.

È ammirevole il tentativo che ha fatto per la recensione Freaks Out per distinguersi, dalla massa e dalla produzione italiana in generale, però in questa corsa forse è mancata un po’ di messa a fuoco. Questo, per Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, è un gran peccato e crea un po’ di frustrazione nello spettatore che si vede davanti tutto questo ben di Dio un po’ sprecato, soprattutto nel prendere i propri personaggi un po’ più sul serio.

Recensione The Batman – a cura di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

The Batman” di Matt Reeves non è un film di supereroi, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Non proprio. Ci sono tutti gli ornamenti: la Batmobile, la tuta robusta, i gadget per gentile concessione del fidato maggiordomo Alfred. E, naturalmente, al centro, c’è lo stesso cavaliere mascherato: meditabondo, tormentato, alla ricerca del proprio marchio notturno in una Gotham City che sta precipitando verso lo squallore e il decadimento.

Ma nelle mani sicure di Reeves, tutto è incredibilmente vivo e nuovo. Come regista e co-sceneggiatore, ha preso quella che potrebbe sembrare una storia familiare e l’ha resa epica, persino operistica. Il suo “Batman” è più simile a un grintoso dramma poliziesco degli anni ’70 che a un blockbuster commovente. Ricorda film come “The Warriors” e uno dei più grandi del genere, “The French Connection“. E la serie di omicidi di alto profilo che guidano la trama, a volte sembra un po’ di guardare Zodiac.

E questo rende questo film inconfondibilmente di Matt Reeves, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Qui realizza ciò che ha iniziato con il suo “Il pianeta delle scimmie”: uno spettacolo elettrizzante e divertente, ma con una posta in gioco reale ed emotiva. Questo è un film di Batman che è consapevole del proprio posto all’interno della cultura pop, ma non in modo ammiccante; piuttosto, riconosce la tradizione del personaggio dei fumetti, solo per esaminarla e reinventarla in un modo che sia allo stesso tempo sostanziale e audace. La sceneggiatura di Reeves e Peter Craig costringe questo eroe a mettere in discussione la sua storia e ad affrontare il suo scopo e, così facendo, crea un’apertura per noi spettatori per sfidare le narrazioni a cui ci aggrappiamo nelle nostre vite.

E con Robert Pattinson che assume il ruolo di Bruce Wayne, abbiamo un attore che non è solo preparato, ma anche affamato di esplorare gli strani e oscuri istinti di questa figura. Questo non è il focoso erede di una fortuna che indossa un bel costume. Questo è Travis Bickle in costume, distaccato e disilluso. Sono passati due anni dal suo incarico come Batman, seguendo i criminali dall’alto in Wayne Tower, un cambiamento ispirato dalla solita espansione incontrollata di Wayne Manor, suggerendo un isolamento ancora maggiore dalla società. “Pensano che mi stia nascondendo nell’ombra“, intona in una voce fuori campo di apertura. “Ma io sono le ombre“. Nella dura luce del giorno, Pattinson ci regala vibrazioni da indie rock star. Ma di notte, si vede l’urgenza dell’azione di eseguire la sua versione di vendetta, anche sotto l’equipaggiamento tattico e gli occhi neri.

Come ha mostrato in quasi tutti i ruoli che ha interpretato da quando “Twilight” lo ha reso una superstar globale nel 2008, lavorando con autori singolari da David Cronenberg a Claire Denis ai fratelli Safdie, Pattinson dà il meglio di sé quando interpreta personaggi che ti mettono a disagio. Ancor più di Christian Bale nel ruolo, Pattinson è così abile nel far sembrare inquietanti i suoi lineamenti belli e spigolosi. Quindi, quando spia per la prima volta l’incredibilmente sexy Zoe Kravitz nei panni di Selina Kyle, infilandosi nella sua attrezzatura da motociclista in pelle e scivolando lungo la scala antincendio alla ricerca della giustizia notturna, c’è un inconfondibile lampo di carica nei suoi occhi: Ooh. È una maniaca come me.

Pattinson e Kravitz hanno una chimica folle tra loro. Lei è il suo fulcro, fisicamente ed emotivamente, in ogni fase del percorso. Questa non è una Catwoman civettuola: è una combattente e una sopravvissuta con un cuore leale e un forte senso di giustizia. Dopo il suo ruolo da protagonista nel thriller high-tech di Steven Soderbergh “Kimi”, Kravitz continua a rivelare un carisma feroce.

Fa parte della fila di attori non protagonisti, i quali hanno tutti ruoli importanti da interpretare. Jeffrey Wright è la voce rara dell’idealismo e della decenza nei panni dell’eventuale Commissario Gordon. John Turturro è agghiacciante nei panni del boss del crimine Carmine Falcone. Andy Serkis, Cesare nei film “Apes” di Reeves, porta una saggezza e un calore paterni nei panni di Alfred. Colin Farrell è completamente irriconoscibile come lo squallido e malvagio Oswald Cobblepot, meglio conosciuto come Il Pinguino. E Paul Dano è assolutamente terrificante nei panni dell’Enigmista, la cui spinta alla vendetta fornisce la spina dorsale della storia. Qui va agli estremi in un modo che ricorda il suo lavoro sorprendente in “There Will Be Blood”. Il suo squilibrio è così intenso che potresti ritrovarti a ridere nervosamente solo per rompere la tensione che crea. Ma non c’è niente di divertente nella sua interpretazione; Dano ti fa sentire come se stessi guardando un uomo che è veramente, profondamente turbato.

Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, nonostante abbia trovato il tempo di quasi tre ore un po’ troppo lungo, è stato comunque soddisfatto dalla visione, perché questo è un film che ti tiene costantemente sulle spine. La Batmobile più bella di sempre, un veicolo che sembra uscito direttamente da “Mad Max: Fury Road“, figura in primo piano in una delle sequenze più commoventi del film. Un elaborato inseguimento in macchina e un incidente con reazione a catena che termina con un salto mortale di furia ardente che da applausi. Durante una rissa in un locale notturno rumoroso, punteggiato da luci rosse pulsanti, puoi sentire ogni pugno e calcio. (E questo è uno degli elementi più avvincenti di vedere, precisa Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, questo supereroe nei suoi primi giorni non è invincibile). E una sparatoria in un corridoio buio come la pece, illuminato solo dalle esplosioni di colpi di fucile, è sia straziante che abbagliante. Ad amplificare notevolmente il potere di scene come queste è la colonna sonora del compositore Michael Giacchino. Meglio conosciuto per la sua musica da film Pixar, fa qualcosa di completamente diverso con “The Batman”: percussivo e pesante di fiati, è massiccio ed esigente e lo sentirai nel profondo.

Lavorando con artisti e artigiani che operano al top, Reeves ha realizzato un film che riesce a essere etereo ma allo stesso tempo pesante, sostanziale ma impressionista. Il direttore della fotografia Greig Fraser esegue lo stesso tipo di stupefacente trucco di magia che ha fatto con il suo lavoro candidato all’Oscar in “Dune” di Denis Villeneuve: sotto la pioggia battente e le luci al neon, c’è sia un velo che un peso nelle sue immagini. Il suo uso dell’ombra e della silhouette è magistrale e fa così tanto per trasmettere un senso di presagio e tensione. Il notaio Antonio Gazzanti Pugliese potrebbe scrivere un saggio intero sui molti usi del colore rosso nel film per suggerire energia, pericolo e persino speranza. E sul design dei costumi della grande Jacqueline Durran, con Dave Crossman e Glyn Dillon che hanno disegnato il ruvido costume di Pattinson: il giusto tocco finale all’atmosfera fresca e spigolosa del film.

Questo potrebbe essere il film di Batman più bello che si sia mai visto, anche se non è affatto un film di Batman.

Recensione del film: “Don’t Look Up” – Una satira che osa essere sfacciatamente pessimista

Don’t look up, regia di Adam McKay. Con Leonardo Di Caprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett. Lo trovate su Netflix

Don’t Look Up è una satira intelligente e impenitente su un’America non molto lontana, consumata dal culto delle celebrità, dall’infotainment che intorpidisce il cervello, dalla popolarità dei social media e dal gioco politico che si rifiuta di prendere sul serio l’imminente distruzione del pianeta Terra. Le recensioni istintive e odiose che ha raccolto da subito, ne sono la conferma più disarmante: contengono commenti così fuori misura, e così fuori luogo, che somigliano molto al ragionamento ignorante degli struzzi anti-scienza del film.

No, non parla di cambiamento climatico, anche se il parallelo è ovvio.

La storia: il dottor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) ha prove inconfutabili che una cometa gigantesca senza precedenti spazzerà via la Terra esattamente in sei mesi e 14 giorni. Le possibilità di “estinzione del pianeta” sono fissate al 99,78%. Ma la Presidente degli Stati Uniti Janie Orlean (Meryl Streep) dice allo scienziato “Chiamalo al 70% e andiamo avanti”. È troppo infastidita dall’imminente esame della metà mandato presidenziale e dalle foto di nudo del suo fidanzato candidato alla Corte Suprema, per occuparsi di un’apocalisse.

Se siete dei pessimisti imperturbabili e pensate che siamo già al punto di non ritorno, riuscirete a cogliere l’esagerazione intenzionale della realtà, e questo sarà per voi quello che era nelle intenzioni del regista: un film liberatorio, giustamente cinico, e soprattutto esilarante. Assolutamente consigliato, da Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Nonostante l’abbondanza di virtù cinematografiche, Don’t Look Up ha ricevuto più recensioni negative che buone e una valutazione di Rotten Tomatoes di appena il 55%. I critici di tutti i segmenti politici dei media mainstream si sono uniti all’attacco sorprendentemente feroce a questa commedia sapientemente realizzata. Il Wall Street Journal e il Guardian britannico hanno mostrato apertamente disgusto; Charles Bramesco del Guardian è arrivato al punto di lamentarsi del fatto che il film potrebbe “cacciare via tutti gli anti-scienziati che hanno ancora bisogno di essere conquistati“, come se il film fosse un segmento della BBC News Hour e avesse chissà quale compito sociale.

I commenti dei giornali e dei siti Web più legati all’industria cinematografica – da Variety all’Hollywood Reporter – sono stati così velenosi che è come se credessero che questo film rappresenti un pericolo per la dinastia americana e il loro stesso lavoro. La parola compiaciuto compare in quasi tutti i testi. Questo film se la prende con le élite politiche, i miliardari della tecnologia, i mass e i social media, non con l’americano medio. Forse la convinzione di fondo è che i ricchi attori cinematografici non abbiano il diritto di smuovere troppo le carte.

Intanto, è candidato come Miglior Film ai premi Oscar 2022. Difficile che vinca, ma questo è decisamente uno smacco a tutti i giornalisti che l’hanno attaccato senza alcun valido motivo, in aggiunta ai Golden Globes e ai Critics Choice Movie Awards già collezionati.

I critici non possono apprezzare una satira oscura che osa essere sfacciatamente pessimista nella visione e grande nell’esecuzione. Se questo film avesse avuto un ritmo più lento, un budget più piccolo e un cast meno famoso, probabilmente non sarebbe stato così buono o divertente, ma avrebbe potuto ricevere recensioni più positive. L’ovvio paragone qui è Idiocracy (2006), un film molto più piccolo e stupido  – e sicuramente più preveggente, dal momento che è stato rilasciato 10 anni prima dell’arrivo di Trump. E non aggiungo altro. Ma essendo una produzione di Mike Judge a basso budget, un film di nicchia, era meno pericoloso.

La verità, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, è che la posizione satirica di Don’t Look Up minaccia il compiacimento politico. Intimidisce l’apparente convinzione dei giornalisti che le istituzioni (americane, ma perché no anche globali), siano queste di sinistra o di destra, risolveranno la nostra personale apocalisse nella vita reale: il disastro del riscaldamento globale.

Don’t Look Up è uno dei film comici meglio eseguiti in anni. La sua sceneggiatura è ricca di dettagli spiritosi e incisivi; il suo arco drammatico è efficace. Le prime scene – che descrivono la scoperta delle dimensioni e del percorso distruttivo della cometa – non sono pensate per far ridere. Il dottor Randall Mindy, professore di astronomia della Michigan State University, e la sua assistente, la dottoranda Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), scoprono una cometa di dimensioni esorbitanti che, secondo calcoli ripetuti, è diretta verso la Terra. La loro certezza e il loro shock sono ben drammatizzati.

I due scienziati vengono presto portati a Washington e quando li vediamo in attesa fuori dallo Studio Ovale, ansiosi di vedere il presidente degli Stati Uniti, e il film crea qui una tensione palpabile.

E poi, la satira colpisce. Abbiamo già visto Streep come capo di stato tranquillo e dignitoso, in altre pellicole. Ma non qui. Qui interpreta un mostro superficiale di soddisfazione personale, circondata da foto di se stessa a braccetto con le celebrità di Hollywood. Nello Studio Ovale, il suo sorriso compiaciuto è sempre pronto a trasformarsi in annoiata irritazione. Quello che fa qui è un perfetto incapsulamento dell’anima in decomposizione dell’America. Ed è comunque divertente.

Mentre il dottor Mindy cerca di raccontare alla presidente e al mondo dell’imminente distruzione, DiCaprio ha un crollo dovuto dall’ansia. Qualcosa che apparentemente è il peccato più deplorevole in una società sempre pronta ad apparire in tv, in cui un involucro esterno fiducioso ha sconfitto le nostre debolezze più profonde. E infatti mentre il Dr. Mindy dice: “L’impatto avrà la potenza di un miliardo di bombe di Hiroshima“. Jason, il capo di gabinetto e figlio della Presidente, risponde: “Stai respirando in modo strano. Mi sta mettendo a disagio“.

Il personaggio di DiCaprio percorre un arco più che plausibile: in primo luogo, panico; poi, con il coaching dei media, si trasforma in un gentile e paterno ragazzo della scienza in tv mentre contemporaneamente entra nella sua vita la sexy amante, conduttrice dei giornali più seguiti d’America (una sorprendente Cate Blanchett.) E poi, alla fine del film, DiCaprio ravviva la sua umanità. Le reazioni della Lawrence alla difficile situazione – da tese a tumultuose a totalmente controllate – hanno un arco simile. Nonostante la spinta satirica, lo spettatore è emotivamente legato ai due personaggi principali.

La vera satira è spesso mortale al botteghino. La versione più comune di Hollywood – una satira leggera, con una commedia poco graffiante che ci porta al lieto fine – è molto più facile da vendere. Suggerisce allo spettatore che il paradiso esiste. Ma se i personaggi non sono simpatici, i dettagli non sono il realismo cinematografico standard, il finale non è allegro, le accuse sono spesso: che compiacimento! Com’è irrealistico!

Don’t Look Up è inteso come un discorso attivo sulla realtà e non fa beneficenza. La vera satira è antiromantica. Dovrebbe arrivare con un avvertimento: il cinismo, al servizio della verità, non è peccato. È possibile, nel 2022, farsi rallegrare da un bel film sulla fine del mondo? In un momento in cui non è MAI sembrata più vicina? Il pensiero che la società faccia schifo e poi muori non è edificante, vero, ma un film intelligente come Don’t Look Up dimostra ai pessimisti che hanno compagnia! Non sono soli. Non sono pazzi.

Ci sono altri come noi su questa Terra. Forse moriremo tutti, ma in un contesto in cui neanche un film come Don’t Look Up sopravvive ai negazionisti, potremmo almeno dire di aver avuto ragione.

La figlia Oscura – La recensione di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

Nel suo primo film come sceneggiatrice e regista, Maggie Gyllenhaal adatta l’omonimo libro di Elena Ferrante in maniera magistrale, secondo il notaio appassionato di film Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. La storia è quella di una professoressa di mezza età, Leda Caruso, in vacanza in Grecia, dove tratta la tematica della maternità con tutte le verità non dette del caso.

Molti attori che passano alla regia hanno la possibilità di circondarsi di una troupe di prim’ordine e ottenere risultati molto buoni. Ma in pochi possono fare ciò che Gyllenhaal realizza in questo film. Trasformando la narrativa spesso enigmatica di Ferrante in un dramma che vive dinamicamente sullo schermo. Gyllenhaal comprende perfettamente il fascino che si cela dietro il culto di Ferrante, i cui libri – tra cui L’amica geniale e gli altri tre romanzi arrivati dopo La figlia perduta – sondano le emozioni sotto la vita delle donne comuni. La regista ha anche avuto il giudizio e la fortuna di scegliere Olivia Colman come attrice protagonista, che porta Leda in vita come solo poche altre avrebbero saputo fare.

La prima inspiegabile ossessione di Leda è nei confronti di una famiglia numerosa e turbolenta che vede sulla spiaggia, in particolare la bella Nina (Dakota Johnson) e la sua bambina: il loro rapporto fa riaffiorare ricordi del suo passato difficile come madre e figlia. Colman può far sembrare drammatica Leda anche mentre guida di un’auto, poiché l’espressione sul suo viso cattura alla perfezione il tumulto emotivo che cerca così tanto di contenere.

Per quanto sfumata, la storia è sempre coinvolgente e piena di svolte inaspettate. Rispetto al libro l’ambientazione passa dall’Italia alla Grecia, e Leda è ovviamente britannica. La famiglia sulla spiaggia è del Queens, a New Yoork, con origini greche. Ma a parte queste modifiche, il cuore del messaggio è tutto della Ferrante. “Le cose più difficili nella vita sono quelle che noi stessi fatichiamo a capire”, dice Lena nel romanzo ed è proprio questo assunto che si avverte nel film.

Lena arriva con una valigia piena di libri da studiare in questa sua pausa di vacanza/lavoro, e la famiglia americana chiassosa e rumorosa la disturba. Nina, la giovane madre, le urta i nervi. Il perché lo scopriamo in vari flashback di una giovane Leda, mentre nel film i personaggi si scambiano tensioni e battute spinose.

Nessuna interazione è semplice, e le complicazioni arrivano attraverso parole e sguardi. C’è la sfacciataggine di Callie, la cognata incinta di Nina che si contrappone invece con un carattere benigno per quanto invadente. Leda la guarda e le dice in faccia che “I bambini sono una responsabilità schiacciante“, non certo la prima cosa da dire a una donna che aspetta il suo primo figlio, ma è Leda. Dakota Johnson cattura in modo toccante l’agitazione e l’ambivalenza di Nina nei panni di una donna che non ha nulla di cui lamentarsi (così dice), tranne una bambina estenuante che la fa sentire intrappolata nella sua stessa esistenza.

Anche i personaggi secondari hanno segreti e misteri. Paul Mescal di Normal People interpreta Will, che lavora nella spiaggia e la cui amicizia con Leda è leggermente inquietante. Ed Harris interpreta l’attento custode dell’appartamento affittato da Leda, che sembra attratto da lei, o semplicemente sta solo giocando. Tutto il film si regge intorno alle contraddizioni della maternità, un tema tabù soprattutto in Italia, dove una madre deve essere solo felice del suo status di madre, non importa a quanto altro sta rinunciando. Come Ferrante, Gyllenhaal fa emergere domande scomode, tra cui: fino a che punto una donna può sfidare le aspettative della società e il suo ruolo materno nell’interesse di salvare la propria sanità mentale?

Non è necessario conoscere o apprezzare la scrittura di Ferrante per amare questo mondo colorato e realizzato. Ma è da notare che la stessa Ferrante si è fidata di Gyllenhaal al punto da richiedere che fosse lei e solo lei a dirigerlo. La scelta è stata ottima, perhé il film non solo è splendido ma ha vinto anche la miglior sceneggiatura a Venezia. Meritatissimo, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

GLI ETERNI: la recensione di Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

Chloé Zhao è la regista vincitrice del premio Oscar per Nomadland, è quindi inutile dire quanto le aspettative fossero alte per questo nuovo progetto Marvel di cui la Zao era stata designata regista. Peccato che, in poche parole di Antonio Gazzanti Pugliese: il film sia guardabile ma alla fine non memorabile. 

Questo è il primo blockbuster di supereroi Marvel diretto da qualcuno che ha appena vinto un Oscar per aver realizzato un dramma naturalistico sulle difficoltà economiche tra gli over 60. La direzione di Eternals a firma di Chloé Zhao, va ricordata a parole perché su pellicola non si vede, anche se qui e là è possibile trovare deboli echi del suo lavoro precedente da brivido. Ci sono la passione per i paesaggi magnifici e aspri, e le formazioni rocciose. Eternals è più serio nel tono e più deliberato nel suo ritmo rispetto a un film Marvel medio: non ci sono le solite battute né camei di altri supereroi. Ma chi si aspettava di trovare l’estrema umanità e originalità degli altri film della Zhao, resterà deluso.

Le scene iniziali suggeriscono che ci aspetta qualcosa di molto più strabiliante di quello che otteniamo. Alcune didascalie, una canzone dei Pink Floyd e alcune immagini del 2001 introducono gli Eterni, 10 alieni superpotenti dell’Olimpo. Sono stati inviati nella nostra galassia in una lastra triangolare che è l’astronave dai Celestiali, una razza di giganti che esiste dall’alba dei tempi. Dopo un ingresso impressionante, torniamo sulla terra. In tutti i sensi. Il compito degli Eterni sul nostro pianeta è quello di uccidere altri alieni: i Deviants, che sembrano coccodrilli fatti di corda dalle persone che hanno creato il burattino per War Horse. Fino dal 5000 aC, scopriamo, gli Eterni si aggirano furtivamente per la Terra e molti dei nostri miti e leggende sono stati ispirati alle loro imprese.

L’Eterno che ha più da fare si chiama Sersi ed è impersonato da Gemma Chan, una scienziata dal cuore tenero che può trasformare oggetti solidi in polvere. Il leader è Ajak (Salma Hayek), che può guarire qualsiasi ferita. Ikaris (Richard Madden) può volare e sparare laser (o qualcosa del genere) dai suoi occhi: qualcuno potrebbe comprensibilmente confonderlo con Superman. Poi c’è Thena (Angelina Jolie), una cupa guerriera i cui attacchi di follia omicida non aggiungono purtroppo nulla alla narrazione generale. E, infine, Kingo (Kumail Nanjiani) che spara laser dalle dita: una storia triste, questa, perché il suo attore si è sottoposto a un regime intensivo di body building in previsione del film, ma senza che venisse messa a schermo neanche una scena a petto nudo. Una perdita di tempo e di fatica, specifica Antonio Gazzanti Pugliese.

Si aggiungono ai personaggi il cupissimo Druig (Barry Keoghan), che dichiara che userà i suoi poteri di controllo mentale per impedire agli umani di entrare in guerra tra loro, ma poi ammette di non essere mai riuscito a farlo. C’è Sprite (Lia McHugh) che può proiettare ologrammi e che è bloccata per sempre nel corpo di un bambino, proprio come il personaggio di Kirsten Dunst in Intervista col vampiro. C’è Phastos (Brian Tyree Henry), un meccanico esperto e il primo supereroe apertamente gay nel Marvel Cinematic Universe. C’è Makkari (Lauren Ridloff) che è sorda e che può correre a velocità che rivaleggiano con Sonic. E c’è Gilgamesh (Don Lee) che, beh, può prendere a pugni le cose. Forte.

Viene da ammettere serenamente che assumere una scrittrice-regista specializzata in drammi silenziosi e simili a documentari per uno spettacolo d’azione su semidei interstellari potrebbe non essere stata la scelta più saggia.

I punteggi elevati che mi sento di dare agli Eterni, continua Antonio Gazzanti Pugliese, riguardano più che altro cose accessorie: la diversità di genere, etnica e sessuale, è altamente rappresentata ma ancora poco memorabile. Ogni volta che vedo questi spettacoli sullo schermo mi viene in mente un’intervista di George R.R. Martin (autore di Game of Thrones) a cui chiesero come faceva a descrivere così bene l’animo femminile essendo un uomo. E Martin rispose: “Beh, sa, non è così difficile, le donne sono esseri umani”. E mi sembra che si perda troppo tempo a fare contenuti visuali “paritari” a tutti i costi, e molto meno a sviluppare la profondità di questi personaggi che, alla fine, “sono esseri umani”. Gli uni come gli altri.

Negli Eternals l’inclusività forma un gruppo disegnato in modo approssimativo e fondamentalmente scialbo, tanto che può essere difficile ricordare chi sono i buoni e chi i cattivi. Di diritto, questa super-soap opera avrebbe dovuto avere la sua serie in 20 episodi su Disney+. In un film, la trama è così sovrappopolata che un Eternal si trova ad annunciare, poco prima della battaglia culminante, che non vuole essere coinvolto, e se ne va, lasciandoci a chiederci perché esattamente abbiamo trascorso l’ultima ora a uscire con lui.

È possibile che alcuni attori più magnetici possano aver aiutato, ma per la prima volta, l’occhio acuto della Marvel per il casting è andato storto. Non appena Robert Downey Jr è stato visto come Iron Man e Chris Hemsworth come Thor, è diventato quasi impossibile immaginare qualcun altro in quei ruoli. Il cast così così degli Eterni non presenta questa sfida. Madden può sembrare adeguatamente simile a un dio quando posa in un deserto e strizza gli occhi all’orizzonte, ma lui – come molti altri membri chiave del cast – non ha le doti di recitazione e il carisma per convincerti che è una persona reale, per non parlare di un vero alieno sovrumano . Il personaggio più simpatico è Dane, il ragazzo umano, allegro e nerd di Sersi, interpretato da Kit Harington, ma è assente per la maggior parte del film, quindi l’argomento promettente di “cosa fai quando scopri che la tua ragazza è immortale” viene abbandonato dopo un paio di di scene dolcemente romantiche.

I Devianti hanno ancora meno personalità degli Eterni. Senza caratteristiche distintive e senza un’agenda che vada oltre alla voglia di staccare la testa alle persone, sono i più generici dei cattivi digitali schiavisti, quindi ogni volta che c’è una sequenza d’azione, è impossibile distinguerli o tenere traccia di quanti di loro siano a schermo.

La storia, comunque, è che gli Eterni credevano di aver spazzato via i Devianti circa 500 anni fa, quindi si sciolsero e si separarono. Ma ora i mostri stanno spuntando di nuovo. Per prima cosa, escono di nascosto da un canale di Londra – che è girato in un modo sorprendentemente lunatico e non turistico – e poi si presentano ovunque si trovino gli Eterni. Ikaris, Sersi e Sprite decidono di riunire la band. Viaggiano nel jet privato di Kingo – che ha passato il secolo precedente fingendo di essere generazioni successive di una dinastia di Bollywood – quindi è strano che i loro avversari bestiali e senza cervello riescano a girare il mondo allo stesso ritmo. Dio sa – o meglio, Arishem sa – come i Deviants possano arrivare così velocemente dal Regno Unito all’Australia, ma sembra che questo sia solo uno dei tanti aspetti del film che non sono stati ragionati abbastanza a fondo.

Ci sono alcune parti intelligenti, intendiamoci, specifica il notaio Antonio Gazzanti Pugliese. Le varie riunioni sono intervallate da flashback riccamente dettagliati ambientati in Mesopotamia, Babilonia e altri antichi luoghi di pura bellezza, e ci sono alcuni colpi di scena sorprendenti mentre gli Eterni discutono sullo scopo della loro missione sulla Terra.

Della serie di fumetti degli anni ’70 del grande Jack Kirby da cui è stata presa la storia, rimangono tracce del suo design visionario, ma Zhao e i suoi tre co-sceneggiatori lo hanno appesantito con un sacco di dialoghi rudimentali, un piano abbastanza sciocco – “Se possiamo assemblare il dispositivo X e collegarlo al dispositivo Y, allora possiamo sconfiggere il nemico Z” e una resa dei conti standard CGI-heavy per arrotondare le cose. Il risultato è ben guardabile, ma non memorabile diciamolo. Ma considerando che questa saga di fantascienza è diretta da Zhao e che la sua storia abbraccia la creazione dell’Universo e il destino del pianeta, sarebbe stato ragionevole aspettarsi che suscitasse stupore a bocca aperta piuttosto che il riluttante apprezzamento di un lavoro efficiente e a regola d’arte. Eternals potrebbe non essere il peggiore dei film Marvel, ma è senza dubbio il più deludente.

Il visionario mondo di Louis Wain. Il commento di Antonio Gazzanti Pugliese

Su Prime Video è disponibile alla visione “Il visionario mondo di Louis Wain”. Un titolo che dice poco – eccetto il nome del protagonista – sulla vera storia narrata nel film. Antonio Gazzanti Pugliese Di Cotrone l’ha visto ed ecco qui le sue impressioni.

Innanzitutto è un film basato sulla storia vera di Louis Wain, l’uomo che “ha salvato i gatti”. Sì, perché prima di lui avere un gatto come animale da compagnia non era assolutamente la norma. I gatti erano animali emarginati, incomprensibili, impossibili da comprendere. Come il protagonista della narrazione, Louis, emarginato per un labbro leporino e accompagnato costantemente da incubi plumbei e ansia ricorrente in un mondo che semplicemente non lo capisce.

Un giorno, Wain e la moglie trovano un cucciolo abbandonato nel giardino della loro casa e decidono di adottarlo: nascono così la serie di dipinti e illustrazioni dell’artista che ritrae il suo gatto in atteggiamenti umani e molto divertenti, che portano la fama a Louis e fanno diventare di moda… i gatti.

Poco prima della sua morte, avvenuta nel 1939 in un ospedale psichiatrico londinese, Louis Wain veniva descritto con queste parole dallo scrittore H. G. Wells: “Ha fatto proprio il gatto. Ha inventato uno stile felino, una società felina, un intero mondo di gatti. I gatti inglesi che non prendono esempio e non vivono come quelli di Louis Wain si vergognano di sé stessi”.

Nel film però non si parla solo di questo, anzi. C’è lo scenario affascinante di una Londra di fine ‘800, con tutte le sue debolezze legate all’aristocrazia, alle divergenze di ceti sociali, le regole retrograde e i danni che hanno causato. C’è l’elettricità, arrivata da poco a migliorare la vita delle persone, e che diventa di estrema importanza per il protagonista.

Si parla anche molto di malattia mentale. La schizofrenia scorre nelle vene del protagonista e di una delle sue cinque sorelle, in un periodo storico in cui ancora così poco si sapeva sulla pazzia e tanto c’era da scoprire sui segreti della mente. L’aspetto più fanciullesco dell’intera opera dell’artista, in realtà, fu frutto di un progressivo deterioramento psicologico che ebbe origine in gioventù.

In ultimo, ma non ultimo, questo è anche un film d’amore, in cui i due protagonisti Benedict Cumberbatch e Claire Foy hanno l’opportunità di dimostrare ancora una volta la loro incredibile capacità attoriale. In un dialogo struggente, in particolare, lo spettatore riesce quasi a toccare quel dolore legato alla perdita della persona amata, e vale già da solo tutto il film. È sicuramente una delle parti più importanti di ciò che resta finita la visione.

Il visionario mondo di Louis Wain è un film pittorico che gioca con la mente del suo protagonista, con i suoi pensieri, i suoi ricordi, in un’opera profonda e intensa che resta nel cuore.

Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone