Categoria: Recensioni film

La terza avventura è in effetti fantastica, con un Eddie Redmayne sempre più dickensiano, ma ci sono dubbi sulla sequenza temporale di Harry Potter specifica Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone

In breve, la storia dell’ultimo capitolo di “Animali Fantastici: i Segreti di Silente” inizia con il ritorno del magizoologo Newt Scamander in Gran Bretagna, America e oltre, prima che la carriera di Harry Potter a Hogwarts abbia inizio. JK Rowling scrive la sceneggiatura insieme a Steve Kloves; il veterano di Potter, David Yates, dirige questo film con mano sicura; ed Eddie Redmayne sembra più eccentrico e dickensiano che mai nel suo ruolo, un Copperfield o anche un giovane Mr Dick con la sua ciocca di capelli, lo sguardo vagamente sfocato, un papillon fuori dal mondo e pantaloni leggermente troppo corti.

I segreti di Silente è un’altra avventura fantasy molto amabile e dall’aspetto adorabile con alcune scenografie ed effetti visivi eccezionali, specialmente nelle scene di New York. Ma non ci sono tanti “segreti” quanto nuove componenti narrative del franchise IP mescolate nel contenuto in corso e rimescolate di nuovo. Eppure c’è sicuramente qualcosa di intrigante nelle domande che sorgono dall’approccio della saga alla linea temporale esistente di Potter.

Mads Mikkelsen è stato inserito nella serie per sostituire l’ormai problematico Johnny Depp nel ruolo di Gellert Grindelwald, il mago malvagio che una volta aveva una stretta relazione con lo stesso Albus Silente (interpretato da Jude Law con modi e barba scintillanti). Mikkelsen offre una performance più sottile e insidiosa di quella di Depp, e l’effetto “occhio pallido” è più contenuto. Il film ci porta nel mondo dell’Europa degli anni ’30 e della Berlino di Weimar; Grindelwald si trova in prigione e sta pianificando di ottenere il controllo assoluto del mondo magico quando uscirà, per la via democratica accettata se è conveniente. Newt e Grindelwald attirano l’attenzione ciascuno con una bestia fantastica di vitale importanza che giocherà un ruolo chiave nel processo di voto e ora Silente sta dirigendo una nuova squadra di bravi ragazzi per affrontare la strategia di Grindelwald, per impedirgli di assumere il controllo del mondo magico che si fonda sul perseguire una guerra contro i popoli non magici.

Jacob Kowalski (interpretato dall’eccellente Dan Fogler) è il panettiere babbano newyorkese, ancora profondamente innamorato di Queenie Goldstein (Alison Sudol) che è passata al lato oscuro di Grindel per ragioni ancora da capire. C’è anche il freddo fratello di Newt, Teseo (Callum Turner), competente e imperturbabile come un personaggio di John Buchan, e la professoressa Lally Hicks, elegantemente interpretata da Jessica Williams, fornisce il piglio intellettuale, il mago Yusuf Kama (William Nadylam) e l’assistente alle mazze da hockey di Newt Bunty Broadacre (Victoria Yeates) ha una cotta non seria per il nostro eroe. All’inizio del film, scopriremo di più sulla vita personale dell’enigmatico Silente e sul suo rapporto con il travagliato Credence (Ezra Miller).

Il segreto di Pulcinella dell’identità gay di Silente viene esplorato ulteriormente, insieme al suo successivo effetto sulla vecchia generazione più omofoba; e il suo rapporto con Grindelwald è stabilito nella scena del dialogo di apertura, anche se con una sorta di calma e vuota moderazione emotiva. Questa relazione centrale sembra essere, se non proprio priva di passione, allora certamente un caso di dolore emotivo e rapimento che appartiene ormai al passato. Ci sono alcune scene fantastiche: Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone ha adorato la sequenza in stile Indiana Jones quando Newt deve salvare suo fratello da una caverna umida e orribile custodita da un macabro guardiano, interpretato dall’attore austriaco Peter Simonischek (il leggendario Toni Erdmann della commedia nera di Maren Ade ) e Newt e Teseo devono entrambi fare una stupida danza dimenando i fianchi per ipnotizzare le orribili creature che infestano il luogo.

Invocando il fascismo e l’imminente guerra mondiale, il film indica a qualcosa di incredibilmente malvagio, eppure alla fine scopriamo che lo stile di narrazione essenzialmente non impegnativo del cinema in franchising, con le sue risoluzioni sospese, funziona molto in questi contesti. Poi c’è la questione dell’incombente mondo di Potter.

Potremmo o non potremmo incontrare presto i genitori di Harry. Ci sono sicuramente i famosi insegnanti di Hogwarts nella loro giovinezza, se supponiamo che Harry Potter e la Pietra Filosofale sia accaduta intorno alla fine del 20° secolo, potremmo riflettere pedantemente sul fatto che questo renderebbe il personale docente chiave a quel tempo intorno ai 100 anni di età. La magia preserva la giovinezza, chiaramente.

E lo stesso Grindelwald? È più o meno importante e malvagio di Voldemort? Beh, conviene lasciare queste domande nel mondo della sospensione dell’incredulità, conclude il notaio Gazzanti Pugliese, e prendere questo film per quello che è: un intrattenimento bonario, anche se c’è qualcosa senza senso nella narrazione.

“The Batman” di Matt Reeves non è un film di supereroi, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Non proprio. Ci sono tutti gli ornamenti: la Batmobile, la tuta robusta, i gadget per gentile concessione del fidato maggiordomo Alfred. E, naturalmente, al centro, c’è lo stesso cavaliere mascherato: meditabondo, tormentato, alla ricerca del proprio marchio notturno in una Gotham City che sta precipitando verso lo squallore e il decadimento.

Ma nelle mani sicure di Reeves, tutto è incredibilmente vivo e nuovo. Come regista e co-sceneggiatore, ha preso quella che potrebbe sembrare una storia familiare e l’ha resa epica, persino operistica. Il suo “Batman” è più simile a un grintoso dramma poliziesco degli anni ’70 che a un blockbuster commovente. Ricorda film come “The Warriors” e uno dei più grandi del genere, “The French Connection“. E la serie di omicidi di alto profilo che guidano la trama, a volte sembra un po’ di guardare Zodiac.

E questo rende questo film inconfondibilmente di Matt Reeves, sottolinea Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. Qui realizza ciò che ha iniziato con il suo “Il pianeta delle scimmie”: uno spettacolo elettrizzante e divertente, ma con una posta in gioco reale ed emotiva. Questo è un film di Batman che è consapevole del proprio posto all’interno della cultura pop, ma non in modo ammiccante; piuttosto, riconosce la tradizione del personaggio dei fumetti, solo per esaminarla e reinventarla in un modo che sia allo stesso tempo sostanziale e audace. La sceneggiatura di Reeves e Peter Craig costringe questo eroe a mettere in discussione la sua storia e ad affrontare il suo scopo e, così facendo, crea un’apertura per noi spettatori per sfidare le narrazioni a cui ci aggrappiamo nelle nostre vite.

E con Robert Pattinson che assume il ruolo di Bruce Wayne, abbiamo un attore che non è solo preparato, ma anche affamato di esplorare gli strani e oscuri istinti di questa figura. Questo non è il focoso erede di una fortuna che indossa un bel costume. Questo è Travis Bickle in costume, distaccato e disilluso. Sono passati due anni dal suo incarico come Batman, seguendo i criminali dall’alto in Wayne Tower, un cambiamento ispirato dalla solita espansione incontrollata di Wayne Manor, suggerendo un isolamento ancora maggiore dalla società. “Pensano che mi stia nascondendo nell’ombra“, intona in una voce fuori campo di apertura. “Ma io sono le ombre“. Nella dura luce del giorno, Pattinson ci regala vibrazioni da indie rock star. Ma di notte, si vede l’urgenza dell’azione di eseguire la sua versione di vendetta, anche sotto l’equipaggiamento tattico e gli occhi neri.

Come ha mostrato in quasi tutti i ruoli che ha interpretato da quando “Twilight” lo ha reso una superstar globale nel 2008, lavorando con autori singolari da David Cronenberg a Claire Denis ai fratelli Safdie, Pattinson dà il meglio di sé quando interpreta personaggi che ti mettono a disagio. Ancor più di Christian Bale nel ruolo, Pattinson è così abile nel far sembrare inquietanti i suoi lineamenti belli e spigolosi. Quindi, quando spia per la prima volta l’incredibilmente sexy Zoe Kravitz nei panni di Selina Kyle, infilandosi nella sua attrezzatura da motociclista in pelle e scivolando lungo la scala antincendio alla ricerca della giustizia notturna, c’è un inconfondibile lampo di carica nei suoi occhi: Ooh. È una maniaca come me.

Pattinson e Kravitz hanno una chimica folle tra loro. Lei è il suo fulcro, fisicamente ed emotivamente, in ogni fase del percorso. Questa non è una Catwoman civettuola: è una combattente e una sopravvissuta con un cuore leale e un forte senso di giustizia. Dopo il suo ruolo da protagonista nel thriller high-tech di Steven Soderbergh “Kimi”, Kravitz continua a rivelare un carisma feroce.

Fa parte della fila di attori non protagonisti, i quali hanno tutti ruoli importanti da interpretare. Jeffrey Wright è la voce rara dell’idealismo e della decenza nei panni dell’eventuale Commissario Gordon. John Turturro è agghiacciante nei panni del boss del crimine Carmine Falcone. Andy Serkis, Cesare nei film “Apes” di Reeves, porta una saggezza e un calore paterni nei panni di Alfred. Colin Farrell è completamente irriconoscibile come lo squallido e malvagio Oswald Cobblepot, meglio conosciuto come Il Pinguino. E Paul Dano è assolutamente terrificante nei panni dell’Enigmista, la cui spinta alla vendetta fornisce la spina dorsale della storia. Qui va agli estremi in un modo che ricorda il suo lavoro sorprendente in “There Will Be Blood”. Il suo squilibrio è così intenso che potresti ritrovarti a ridere nervosamente solo per rompere la tensione che crea. Ma non c’è niente di divertente nella sua interpretazione; Dano ti fa sentire come se stessi guardando un uomo che è veramente, profondamente turbato.

Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, nonostante abbia trovato il tempo di quasi tre ore un po’ troppo lungo, è stato comunque soddisfatto dalla visione, perché questo è un film che ti tiene costantemente sulle spine. La Batmobile più bella di sempre, un veicolo che sembra uscito direttamente da “Mad Max: Fury Road“, figura in primo piano in una delle sequenze più commoventi del film. Un elaborato inseguimento in macchina e un incidente con reazione a catena che termina con un salto mortale di furia ardente che da applausi. Durante una rissa in un locale notturno rumoroso, punteggiato da luci rosse pulsanti, puoi sentire ogni pugno e calcio. (E questo è uno degli elementi più avvincenti di vedere, precisa Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, questo supereroe nei suoi primi giorni non è invincibile). E una sparatoria in un corridoio buio come la pece, illuminato solo dalle esplosioni di colpi di fucile, è sia straziante che abbagliante. Ad amplificare notevolmente il potere di scene come queste è la colonna sonora del compositore Michael Giacchino. Meglio conosciuto per la sua musica da film Pixar, fa qualcosa di completamente diverso con “The Batman”: percussivo e pesante di fiati, è massiccio ed esigente e lo sentirai nel profondo.

Lavorando con artisti e artigiani che operano al top, Reeves ha realizzato un film che riesce a essere etereo ma allo stesso tempo pesante, sostanziale ma impressionista. Il direttore della fotografia Greig Fraser esegue lo stesso tipo di stupefacente trucco di magia che ha fatto con il suo lavoro candidato all’Oscar in “Dune” di Denis Villeneuve: sotto la pioggia battente e le luci al neon, c’è sia un velo che un peso nelle sue immagini. Il suo uso dell’ombra e della silhouette è magistrale e fa così tanto per trasmettere un senso di presagio e tensione. Il notaio Antonio Gazzanti Pugliese potrebbe scrivere un saggio intero sui molti usi del colore rosso nel film per suggerire energia, pericolo e persino speranza. E sul design dei costumi della grande Jacqueline Durran, con Dave Crossman e Glyn Dillon che hanno disegnato il ruvido costume di Pattinson: il giusto tocco finale all’atmosfera fresca e spigolosa del film.

Questo potrebbe essere il film di Batman più bello che si sia mai visto, anche se non è affatto un film di Batman.

Don’t look up, regia di Adam McKay. Con Leonardo Di Caprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett. Lo trovate su Netflix

Don’t Look Up è una satira intelligente e impenitente su un’America non molto lontana, consumata dal culto delle celebrità, dall’infotainment che intorpidisce il cervello, dalla popolarità dei social media e dal gioco politico che si rifiuta di prendere sul serio l’imminente distruzione del pianeta Terra. Le recensioni istintive e odiose che ha raccolto da subito, ne sono la conferma più disarmante: contengono commenti così fuori misura, e così fuori luogo, che somigliano molto al ragionamento ignorante degli struzzi anti-scienza del film.

No, non parla di cambiamento climatico, anche se il parallelo è ovvio.

La storia: il dottor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) ha prove inconfutabili che una cometa gigantesca senza precedenti spazzerà via la Terra esattamente in sei mesi e 14 giorni. Le possibilità di “estinzione del pianeta” sono fissate al 99,78%. Ma la Presidente degli Stati Uniti Janie Orlean (Meryl Streep) dice allo scienziato “Chiamalo al 70% e andiamo avanti”. È troppo infastidita dall’imminente esame della metà mandato presidenziale e dalle foto di nudo del suo fidanzato candidato alla Corte Suprema, per occuparsi di un’apocalisse.

Se siete dei pessimisti imperturbabili e pensate che siamo già al punto di non ritorno, riuscirete a cogliere l’esagerazione intenzionale della realtà, e questo sarà per voi quello che era nelle intenzioni del regista: un film liberatorio, giustamente cinico, e soprattutto esilarante. Assolutamente consigliato, da Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Nonostante l’abbondanza di virtù cinematografiche, Don’t Look Up ha ricevuto più recensioni negative che buone e una valutazione di Rotten Tomatoes di appena il 55%. I critici di tutti i segmenti politici dei media mainstream si sono uniti all’attacco sorprendentemente feroce a questa commedia sapientemente realizzata. Il Wall Street Journal e il Guardian britannico hanno mostrato apertamente disgusto; Charles Bramesco del Guardian è arrivato al punto di lamentarsi del fatto che il film potrebbe “cacciare via tutti gli anti-scienziati che hanno ancora bisogno di essere conquistati“, come se il film fosse un segmento della BBC News Hour e avesse chissà quale compito sociale.

I commenti dei giornali e dei siti Web più legati all’industria cinematografica – da Variety all’Hollywood Reporter – sono stati così velenosi che è come se credessero che questo film rappresenti un pericolo per la dinastia americana e il loro stesso lavoro. La parola compiaciuto compare in quasi tutti i testi. Questo film se la prende con le élite politiche, i miliardari della tecnologia, i mass e i social media, non con l’americano medio. Forse la convinzione di fondo è che i ricchi attori cinematografici non abbiano il diritto di smuovere troppo le carte.

Intanto, è candidato come Miglior Film ai premi Oscar 2022. Difficile che vinca, ma questo è decisamente uno smacco a tutti i giornalisti che l’hanno attaccato senza alcun valido motivo, in aggiunta ai Golden Globes e ai Critics Choice Movie Awards già collezionati.

I critici non possono apprezzare una satira oscura che osa essere sfacciatamente pessimista nella visione e grande nell’esecuzione. Se questo film avesse avuto un ritmo più lento, un budget più piccolo e un cast meno famoso, probabilmente non sarebbe stato così buono o divertente, ma avrebbe potuto ricevere recensioni più positive. L’ovvio paragone qui è Idiocracy (2006), un film molto più piccolo e stupido  – e sicuramente più preveggente, dal momento che è stato rilasciato 10 anni prima dell’arrivo di Trump. E non aggiungo altro. Ma essendo una produzione di Mike Judge a basso budget, un film di nicchia, era meno pericoloso.

La verità, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, è che la posizione satirica di Don’t Look Up minaccia il compiacimento politico. Intimidisce l’apparente convinzione dei giornalisti che le istituzioni (americane, ma perché no anche globali), siano queste di sinistra o di destra, risolveranno la nostra personale apocalisse nella vita reale: il disastro del riscaldamento globale.

Don’t Look Up è uno dei film comici meglio eseguiti in anni. La sua sceneggiatura è ricca di dettagli spiritosi e incisivi; il suo arco drammatico è efficace. Le prime scene – che descrivono la scoperta delle dimensioni e del percorso distruttivo della cometa – non sono pensate per far ridere. Il dottor Randall Mindy, professore di astronomia della Michigan State University, e la sua assistente, la dottoranda Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), scoprono una cometa di dimensioni esorbitanti che, secondo calcoli ripetuti, è diretta verso la Terra. La loro certezza e il loro shock sono ben drammatizzati.

I due scienziati vengono presto portati a Washington e quando li vediamo in attesa fuori dallo Studio Ovale, ansiosi di vedere il presidente degli Stati Uniti, e il film crea qui una tensione palpabile.

E poi, la satira colpisce. Abbiamo già visto Streep come capo di stato tranquillo e dignitoso, in altre pellicole. Ma non qui. Qui interpreta un mostro superficiale di soddisfazione personale, circondata da foto di se stessa a braccetto con le celebrità di Hollywood. Nello Studio Ovale, il suo sorriso compiaciuto è sempre pronto a trasformarsi in annoiata irritazione. Quello che fa qui è un perfetto incapsulamento dell’anima in decomposizione dell’America. Ed è comunque divertente.

Mentre il dottor Mindy cerca di raccontare alla presidente e al mondo dell’imminente distruzione, DiCaprio ha un crollo dovuto dall’ansia. Qualcosa che apparentemente è il peccato più deplorevole in una società sempre pronta ad apparire in tv, in cui un involucro esterno fiducioso ha sconfitto le nostre debolezze più profonde. E infatti mentre il Dr. Mindy dice: “L’impatto avrà la potenza di un miliardo di bombe di Hiroshima“. Jason, il capo di gabinetto e figlio della Presidente, risponde: “Stai respirando in modo strano. Mi sta mettendo a disagio“.

Il personaggio di DiCaprio percorre un arco più che plausibile: in primo luogo, panico; poi, con il coaching dei media, si trasforma in un gentile e paterno ragazzo della scienza in tv mentre contemporaneamente entra nella sua vita la sexy amante, conduttrice dei giornali più seguiti d’America (una sorprendente Cate Blanchett.) E poi, alla fine del film, DiCaprio ravviva la sua umanità. Le reazioni della Lawrence alla difficile situazione – da tese a tumultuose a totalmente controllate – hanno un arco simile. Nonostante la spinta satirica, lo spettatore è emotivamente legato ai due personaggi principali.

La vera satira è spesso mortale al botteghino. La versione più comune di Hollywood – una satira leggera, con una commedia poco graffiante che ci porta al lieto fine – è molto più facile da vendere. Suggerisce allo spettatore che il paradiso esiste. Ma se i personaggi non sono simpatici, i dettagli non sono il realismo cinematografico standard, il finale non è allegro, le accuse sono spesso: che compiacimento! Com’è irrealistico!

Don’t Look Up è inteso come un discorso attivo sulla realtà e non fa beneficenza. La vera satira è antiromantica. Dovrebbe arrivare con un avvertimento: il cinismo, al servizio della verità, non è peccato. È possibile, nel 2022, farsi rallegrare da un bel film sulla fine del mondo? In un momento in cui non è MAI sembrata più vicina? Il pensiero che la società faccia schifo e poi muori non è edificante, vero, ma un film intelligente come Don’t Look Up dimostra ai pessimisti che hanno compagnia! Non sono soli. Non sono pazzi.

Ci sono altri come noi su questa Terra. Forse moriremo tutti, ma in un contesto in cui neanche un film come Don’t Look Up sopravvive ai negazionisti, potremmo almeno dire di aver avuto ragione.

Nel suo primo film come sceneggiatrice e regista, Maggie Gyllenhaal adatta l’omonimo libro di Elena Ferrante in maniera magistrale, secondo il notaio appassionato di film Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone. La storia è quella di una professoressa di mezza età, Leda Caruso, in vacanza in Grecia, dove tratta la tematica della maternità con tutte le verità non dette del caso.

Molti attori che passano alla regia hanno la possibilità di circondarsi di una troupe di prim’ordine e ottenere risultati molto buoni. Ma in pochi possono fare ciò che Gyllenhaal realizza in questo film. Trasformando la narrativa spesso enigmatica di Ferrante in un dramma che vive dinamicamente sullo schermo. Gyllenhaal comprende perfettamente il fascino che si cela dietro il culto di Ferrante, i cui libri – tra cui L’amica geniale e gli altri tre romanzi arrivati dopo La figlia perduta – sondano le emozioni sotto la vita delle donne comuni. La regista ha anche avuto il giudizio e la fortuna di scegliere Olivia Colman come attrice protagonista, che porta Leda in vita come solo poche altre avrebbero saputo fare.

La prima inspiegabile ossessione di Leda è nei confronti di una famiglia numerosa e turbolenta che vede sulla spiaggia, in particolare la bella Nina (Dakota Johnson) e la sua bambina: il loro rapporto fa riaffiorare ricordi del suo passato difficile come madre e figlia. Colman può far sembrare drammatica Leda anche mentre guida di un’auto, poiché l’espressione sul suo viso cattura alla perfezione il tumulto emotivo che cerca così tanto di contenere.

Per quanto sfumata, la storia è sempre coinvolgente e piena di svolte inaspettate. Rispetto al libro l’ambientazione passa dall’Italia alla Grecia, e Leda è ovviamente britannica. La famiglia sulla spiaggia è del Queens, a New Yoork, con origini greche. Ma a parte queste modifiche, il cuore del messaggio è tutto della Ferrante. “Le cose più difficili nella vita sono quelle che noi stessi fatichiamo a capire”, dice Lena nel romanzo ed è proprio questo assunto che si avverte nel film.

Lena arriva con una valigia piena di libri da studiare in questa sua pausa di vacanza/lavoro, e la famiglia americana chiassosa e rumorosa la disturba. Nina, la giovane madre, le urta i nervi. Il perché lo scopriamo in vari flashback di una giovane Leda, mentre nel film i personaggi si scambiano tensioni e battute spinose.

Nessuna interazione è semplice, e le complicazioni arrivano attraverso parole e sguardi. C’è la sfacciataggine di Callie, la cognata incinta di Nina che si contrappone invece con un carattere benigno per quanto invadente. Leda la guarda e le dice in faccia che “I bambini sono una responsabilità schiacciante“, non certo la prima cosa da dire a una donna che aspetta il suo primo figlio, ma è Leda. Dakota Johnson cattura in modo toccante l’agitazione e l’ambivalenza di Nina nei panni di una donna che non ha nulla di cui lamentarsi (così dice), tranne una bambina estenuante che la fa sentire intrappolata nella sua stessa esistenza.

Anche i personaggi secondari hanno segreti e misteri. Paul Mescal di Normal People interpreta Will, che lavora nella spiaggia e la cui amicizia con Leda è leggermente inquietante. Ed Harris interpreta l’attento custode dell’appartamento affittato da Leda, che sembra attratto da lei, o semplicemente sta solo giocando. Tutto il film si regge intorno alle contraddizioni della maternità, un tema tabù soprattutto in Italia, dove una madre deve essere solo felice del suo status di madre, non importa a quanto altro sta rinunciando. Come Ferrante, Gyllenhaal fa emergere domande scomode, tra cui: fino a che punto una donna può sfidare le aspettative della società e il suo ruolo materno nell’interesse di salvare la propria sanità mentale?

Non è necessario conoscere o apprezzare la scrittura di Ferrante per amare questo mondo colorato e realizzato. Ma è da notare che la stessa Ferrante si è fidata di Gyllenhaal al punto da richiedere che fosse lei e solo lei a dirigerlo. La scelta è stata ottima, perhé il film non solo è splendido ma ha vinto anche la miglior sceneggiatura a Venezia. Meritatissimo, secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone.

Chloé Zhao è la regista vincitrice del premio Oscar per Nomadland, è quindi inutile dire quanto le aspettative fossero alte per questo nuovo progetto Marvel di cui la Zao era stata designata regista. Peccato che, in poche parole di Antonio Gazzanti Pugliese: il film sia guardabile ma alla fine non memorabile. 

Questo è il primo blockbuster di supereroi Marvel diretto da qualcuno che ha appena vinto un Oscar per aver realizzato un dramma naturalistico sulle difficoltà economiche tra gli over 60. La direzione di Eternals a firma di Chloé Zhao, va ricordata a parole perché su pellicola non si vede, anche se qui e là è possibile trovare deboli echi del suo lavoro precedente da brivido. Ci sono la passione per i paesaggi magnifici e aspri, e le formazioni rocciose. Eternals è più serio nel tono e più deliberato nel suo ritmo rispetto a un film Marvel medio: non ci sono le solite battute né camei di altri supereroi. Ma chi si aspettava di trovare l’estrema umanità e originalità degli altri film della Zhao, resterà deluso.

Le scene iniziali suggeriscono che ci aspetta qualcosa di molto più strabiliante di quello che otteniamo. Alcune didascalie, una canzone dei Pink Floyd e alcune immagini del 2001 introducono gli Eterni, 10 alieni superpotenti dell’Olimpo. Sono stati inviati nella nostra galassia in una lastra triangolare che è l’astronave dai Celestiali, una razza di giganti che esiste dall’alba dei tempi. Dopo un ingresso impressionante, torniamo sulla terra. In tutti i sensi. Il compito degli Eterni sul nostro pianeta è quello di uccidere altri alieni: i Deviants, che sembrano coccodrilli fatti di corda dalle persone che hanno creato il burattino per War Horse. Fino dal 5000 aC, scopriamo, gli Eterni si aggirano furtivamente per la Terra e molti dei nostri miti e leggende sono stati ispirati alle loro imprese.

L’Eterno che ha più da fare si chiama Sersi ed è impersonato da Gemma Chan, una scienziata dal cuore tenero che può trasformare oggetti solidi in polvere. Il leader è Ajak (Salma Hayek), che può guarire qualsiasi ferita. Ikaris (Richard Madden) può volare e sparare laser (o qualcosa del genere) dai suoi occhi: qualcuno potrebbe comprensibilmente confonderlo con Superman. Poi c’è Thena (Angelina Jolie), una cupa guerriera i cui attacchi di follia omicida non aggiungono purtroppo nulla alla narrazione generale. E, infine, Kingo (Kumail Nanjiani) che spara laser dalle dita: una storia triste, questa, perché il suo attore si è sottoposto a un regime intensivo di body building in previsione del film, ma senza che venisse messa a schermo neanche una scena a petto nudo. Una perdita di tempo e di fatica, specifica Antonio Gazzanti Pugliese.

Si aggiungono ai personaggi il cupissimo Druig (Barry Keoghan), che dichiara che userà i suoi poteri di controllo mentale per impedire agli umani di entrare in guerra tra loro, ma poi ammette di non essere mai riuscito a farlo. C’è Sprite (Lia McHugh) che può proiettare ologrammi e che è bloccata per sempre nel corpo di un bambino, proprio come il personaggio di Kirsten Dunst in Intervista col vampiro. C’è Phastos (Brian Tyree Henry), un meccanico esperto e il primo supereroe apertamente gay nel Marvel Cinematic Universe. C’è Makkari (Lauren Ridloff) che è sorda e che può correre a velocità che rivaleggiano con Sonic. E c’è Gilgamesh (Don Lee) che, beh, può prendere a pugni le cose. Forte.

Viene da ammettere serenamente che assumere una scrittrice-regista specializzata in drammi silenziosi e simili a documentari per uno spettacolo d’azione su semidei interstellari potrebbe non essere stata la scelta più saggia.

I punteggi elevati che mi sento di dare agli Eterni, continua Antonio Gazzanti Pugliese, riguardano più che altro cose accessorie: la diversità di genere, etnica e sessuale, è altamente rappresentata ma ancora poco memorabile. Ogni volta che vedo questi spettacoli sullo schermo mi viene in mente un’intervista di George R.R. Martin (autore di Game of Thrones) a cui chiesero come faceva a descrivere così bene l’animo femminile essendo un uomo. E Martin rispose: “Beh, sa, non è così difficile, le donne sono esseri umani”. E mi sembra che si perda troppo tempo a fare contenuti visuali “paritari” a tutti i costi, e molto meno a sviluppare la profondità di questi personaggi che, alla fine, “sono esseri umani”. Gli uni come gli altri.

Negli Eternals l’inclusività forma un gruppo disegnato in modo approssimativo e fondamentalmente scialbo, tanto che può essere difficile ricordare chi sono i buoni e chi i cattivi. Di diritto, questa super-soap opera avrebbe dovuto avere la sua serie in 20 episodi su Disney+. In un film, la trama è così sovrappopolata che un Eternal si trova ad annunciare, poco prima della battaglia culminante, che non vuole essere coinvolto, e se ne va, lasciandoci a chiederci perché esattamente abbiamo trascorso l’ultima ora a uscire con lui.

È possibile che alcuni attori più magnetici possano aver aiutato, ma per la prima volta, l’occhio acuto della Marvel per il casting è andato storto. Non appena Robert Downey Jr è stato visto come Iron Man e Chris Hemsworth come Thor, è diventato quasi impossibile immaginare qualcun altro in quei ruoli. Il cast così così degli Eterni non presenta questa sfida. Madden può sembrare adeguatamente simile a un dio quando posa in un deserto e strizza gli occhi all’orizzonte, ma lui – come molti altri membri chiave del cast – non ha le doti di recitazione e il carisma per convincerti che è una persona reale, per non parlare di un vero alieno sovrumano . Il personaggio più simpatico è Dane, il ragazzo umano, allegro e nerd di Sersi, interpretato da Kit Harington, ma è assente per la maggior parte del film, quindi l’argomento promettente di “cosa fai quando scopri che la tua ragazza è immortale” viene abbandonato dopo un paio di di scene dolcemente romantiche.

I Devianti hanno ancora meno personalità degli Eterni. Senza caratteristiche distintive e senza un’agenda che vada oltre alla voglia di staccare la testa alle persone, sono i più generici dei cattivi digitali schiavisti, quindi ogni volta che c’è una sequenza d’azione, è impossibile distinguerli o tenere traccia di quanti di loro siano a schermo.

La storia, comunque, è che gli Eterni credevano di aver spazzato via i Devianti circa 500 anni fa, quindi si sciolsero e si separarono. Ma ora i mostri stanno spuntando di nuovo. Per prima cosa, escono di nascosto da un canale di Londra – che è girato in un modo sorprendentemente lunatico e non turistico – e poi si presentano ovunque si trovino gli Eterni. Ikaris, Sersi e Sprite decidono di riunire la band. Viaggiano nel jet privato di Kingo – che ha passato il secolo precedente fingendo di essere generazioni successive di una dinastia di Bollywood – quindi è strano che i loro avversari bestiali e senza cervello riescano a girare il mondo allo stesso ritmo. Dio sa – o meglio, Arishem sa – come i Deviants possano arrivare così velocemente dal Regno Unito all’Australia, ma sembra che questo sia solo uno dei tanti aspetti del film che non sono stati ragionati abbastanza a fondo.

Ci sono alcune parti intelligenti, intendiamoci, specifica il notaio Antonio Gazzanti Pugliese. Le varie riunioni sono intervallate da flashback riccamente dettagliati ambientati in Mesopotamia, Babilonia e altri antichi luoghi di pura bellezza, e ci sono alcuni colpi di scena sorprendenti mentre gli Eterni discutono sullo scopo della loro missione sulla Terra.

Della serie di fumetti degli anni ’70 del grande Jack Kirby da cui è stata presa la storia, rimangono tracce del suo design visionario, ma Zhao e i suoi tre co-sceneggiatori lo hanno appesantito con un sacco di dialoghi rudimentali, un piano abbastanza sciocco – “Se possiamo assemblare il dispositivo X e collegarlo al dispositivo Y, allora possiamo sconfiggere il nemico Z” e una resa dei conti standard CGI-heavy per arrotondare le cose. Il risultato è ben guardabile, ma non memorabile diciamolo. Ma considerando che questa saga di fantascienza è diretta da Zhao e che la sua storia abbraccia la creazione dell’Universo e il destino del pianeta, sarebbe stato ragionevole aspettarsi che suscitasse stupore a bocca aperta piuttosto che il riluttante apprezzamento di un lavoro efficiente e a regola d’arte. Eternals potrebbe non essere il peggiore dei film Marvel, ma è senza dubbio il più deludente.

Dune, dal grande classico sci-fi di Frank Herbert, è anche il film di Denis Villeneuve sulla bocca di tutti da mesi ormai. Vediamo cosa ne ha pensato il notaio Antonio Gazzanti Pugliese dopo la visione!

Fare un film dall’opera magna di Frank Herbert non era facile. Ma per il regista franco-canadese di Blade Runner 2049 ed Arrival creare grandi scenari impossibili è più semplice che per altri.

Dune di Villeneuve si apre con le parole “Parte Uno” e si conclude con la scritta “Questo è solo l’inizio” e si occupa di raccontare in modo sensato e gestibile una storia che è complicatissima da spiegare, suddividere in capitoli, raccontare nel modo più completo possibile. Antonio Gazzanti Pugliese conosce i libri pur non avendoli mai letti, e già dal principio nell’approccio alla versione cinematografica era scettico. Perché Dune è tra i libri di fantascienza più immensi che esistano, e copre un arco di secoli nelle storie dei suoi personaggi. Qualunque regista decida di approcciarsi a questo prodotto deve avere una visione ambiziosa della sua arte.

Villeveuve non delude. Non cede agli errori dei predecessori che hanno tentato l’impresa, con gli eccessi stravaganti di Jodorwsky o le elissi e le compressioni narrative di Lynch. E inizia scegliendo un protagonista perfetto: Timothée Chalamet, in una imitazione non troppo nascosta di Edward Mani di Forbice, è però perfetto nel ruolo del prescelto giovane, bello e soprattutto dannato dal suo destino crudele. Con Zendaya al fianco nel ruolo di Fremen Chani, il misticismo che deve ispirare Dune è completo.

La storia in breve: sul pianeta Arrakis, noto anche come Dune, ci si contende il controllo del commercio della spezia, una polvere magica speciale, molto costosa ed essenziale per la navigazione interstellare. Villeneuve e i co-scrittori Jon Spaihts ed Eric Roth la raccontano in un codice comprensibile al pubblico di oggi, in cui i ricchi padroni combattono per avere il controllo sulle risorse minerarie in una vasta regione sabbiosa che trovano ostile e pericolosa, ma irresistibilmente redditizia. Il tutto in un mix che strizza l’occhio a Star Wars.

Il giovane protagonista Paul è all’altezza di essere il prescelto? Di quale potere è infuso? È un Dio? Le domande ci tengono incollati alla sedia mentre cerchiamo una risposta che forse arriverà forse no.

Rispetto alle storie e alle dinamiche che si sono già viste in moltissimi altri film, Villeneuve aggiunge quel qualcosa che lo rende Villeneuve: una realizzazione visiva che lascia senza fiato, indice di una sensibilità di pochi, pochissimi registi. Dagli ornitologi che volano come libellule alle vaste astronavi che luccicano nella nebbia, questo è il suo marchio di fabbrica.

Naturalmente anche nel capolavoro di Lynch c’era una buona dose di panorami indimenticabili, ma la versione di Villeneuve si comporta meglio grazie anche al fatto che sono passati un bel po’ di anni e di tecnologia da allora. Vale la pena vedere Dune solo per questo, per le sequenze d’azione esplosive e per la colonna sonora sorprendente di Hans Zimmer. Tutti motivi per cui vale la pena vederlo al cinema o con un buon sistema di Home Theater.

Per capire la storia, invece, Antonio Gazzanti Pugliese confida nel secondo capitolo. Del resto, è stato Villeneuve stesso ad avvertire gli spettatori: “questo è solo l’inizio”.

Secondo Antonio Gazzanti Pugliese di Cotrone, questo è il secondo episodio del film che abbiamo visto in zona rossa. Non c’è cosa migliore di un film che possa condurci immediatamente in un mondo reale più affascinante e confortante del nostro. Tieni pronto il divano, i popcorn e il telecomando e andiamo se vuoi che qualcuno salvi il mondo.

Ora è un buon momento per recuperare uno dei film di James Bond che raggiunge un perfetto equilibrio tra pericolo credibile e imitazione di sé: è piacevole come l’agente 007 finisce il suo lavoro, ed è difficile dubitare che ci riuscirà. Non sei un fan di James Bond? Scegli il tuo eroe preferito, che si tratti di John McLean in Die Hard (1988), Indiana Jones in Indiana Jones (1981) o Superman in Superman: The Movie (1978)).

Se vuoi vedere il lato interessante

La commedia può anche rappresentare un’aspra critica all’ingiustizia sociale e alla fragilità umana. Ma no, non nell’oasi di pace che stiamo creando. Ora, ciò di cui abbiamo bisogno è la migliore medicina, che si ottiene da un film che si concentra su una cosa , farci ridere. Uno dei migliori lavori è “Spinal Tap” (1984), un documentario rock analogico perfetto di Rob Reiner, sul destino di tre talentuosi improvvisatori (e musicisti semi-umani). Heavy Metal Band: Christopher Guest, Michael McKean e Harry Shearer . Altri film divertenti includono “The Return of the Pink Panther” (1975), “Begging” (1979), “The Crazy Airplane in the World” (1980) e il film più recente: “Borat” (2006) , “Vampire Life” (2014) e My Penguin of Madagascar (2014)

Se vuoi far parte di una comunità

Lo sceneggiatore di Gomorra Gianni Di Gregorio continua a scrivere, dirigere e recitare in un pranzo di metà agosto (2008). Questa affascinante commedia racconta la storia di un uomo che deve prendersi cura della madre e del figlio nel suo piccolo appartamento quando tutti gli altri lasciano Roma . Per respirare la vita del vicinato e della comunità, “The Good Life” (1946), “America’s Fantasy World” (2001), “Full Monty” (1997).

Se vuoi vedere la luce alla fine del tunnel

All’inizio di Wall-E della Pixar (2008), la terra era una terra desolata piena di spazzatura e il suo unico abitante era un robot arrugginito. Alla fine, gli umani si sono ripresi dai viaggi interstellari e le colture sono ricresciute. Buone notizie da portare a casa in questi giorni. Bella vista da Antonio Gazzanti Pugliese da Cotrone!